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Emeti 02 あなた - 9.5分
在《Fantôme》中我们有《花束を君に》，在《初恋》中我们便有了这首《あなた》。
首先，这首歌的段落编排非常有趣，先一遍副歌，然后两遍主歌、预副歌、副歌的套餐，而即兴感十足的“桥段”却被放在了最后，是在熊光的流行歌中很少见的结构。
其次是节奏，这首歌的节奏感相比前一首有些许的弱化，前一首歌的副歌中的旋律、和声、人声与节奏浑然一体，有整齐划一的统一感。但这首歌的节奏感也不算弱，它的呈现方式是段落化、层次化的，在节奏感上起到了前后过渡的作用。在主副歌的交替进行中我们可以发现，主歌更倾向于旋律表现，而副歌尤其是后半段则有非常强的动感，使歌曲在进行中有了丰富多变的新鲜感。
再然后，这首歌的旋律也是极为丰富的。主歌、预副歌各一段旋律，副歌两段，桥段部分又两段，这么多旋律连接在一起十分流畅，没有让人感到一瞬间的卡顿，再加上和声中的管乐和弦乐，数量多质量高，对偏好流行旋律的朋友来说绝对是一场听觉盛宴。主歌的旋律起伏变化较大，一开始就是比较大幅度的上行，几个拖长音的key也比较高，这个旋律走向表现了一种不太稳定的感觉，也确实不适合放在歌曲的最开始。预副歌短短两句却又很强的推动感，最后的长音停在F4，在音高上承接上了主歌和副歌，是构成这首歌旋律流畅性的一个重要环节。副歌部分的旋律是最抓耳的，音区定在偏高的中音区，非常适合熊光发力，第一段句首冲高逐级下降句尾下沉，柔美绵长的旋律线配合她优质的中音音色给人安定感；第二段节奏感很强，句中频繁地出现小长音，给人微妙的拖拍感，与旋律相结合给这段音乐增添了饱满度，使得高潮段落更有力量。被放在最后的桥段部分是最大的惊喜，前半段的旋律写得非常老练，句中细腻的波动迎合并且增强了节奏的动感，第一句句尾旋律下沉，第二句上扬，第三句拖长，如此教科书写法的一套“hook”旋律熊光写起来真的是信手拈来（这种旋律格式在这张专辑里可以说是随处可见）；后半段的旋律非常有升华感，转音和哼唱的部分又有很强的即兴感，使得歌曲在主副歌的定式循环之后更多了一分充满张力的自由度。
这首歌与《花束を君に》同样是暖色调的情感体验，音色上却更加饱满，层次上与《花束を君に》一样细腻丰富，且这首歌豪华的编曲配置明显是升级过的，错落有致的配器编排更显出编曲的繁简有度，听觉上的刺激恰到好处，这也是熊光编曲克制力的表现。同时她将演唱上细微的变化处理插入到各个相似的段落中，她的声线时紧时松张弛有度，在偏高音的位置她没有拼声音的高度和强度，而是通过混声的转换借力表现旋律线的丰富度，也避免了人声过于突出而打破旋律性和节奏感的平衡。第一遍副歌开始只有钢琴和人声，熊光的音色比过去更加柔和圆润，在几个上挑拖长的“o”元音里唱出了些许演歌的风味，后来加入了鼓点等节奏元素使得这首歌瞬间获得了动感与活力，把这首情歌唱出了快板元气曲的感觉；第一遍主歌加入弦乐，音乐听起来更加悠长柔婉，熊光混声与假声的流畅转换也在这一段中得到了全面的体现；而到了预副歌，弦乐被替换成了管乐，嘹亮的音色令这一段旋律更有推进感，最后一个长音加上了回声的效果，听起来更加立体；第二遍副歌时先前的鼓点和管弦乐都被加了进来，只是这时的管弦乐还比较弱，到了副歌的第二段管乐才突然明亮起来，强化了歌曲的暖色气氛；第二遍主歌的时候，本来的弦乐也发生了变化，它的旋律线阶梯状地上行，形成蓄力感推动主歌进入副歌；最后一遍的副歌前半段，熊光突然削弱伴奏的厚度，只剩下了钢琴与人声，为后半段的高潮段落做了缓冲，此外她在句尾悄悄加入了类似木鱼和铃鼓的音色，与第一遍时的副歌形成了差别细微的对比，而后半段自然是管弦乐强势控场，在歌曲的高潮段落形成了盛大的欢庆气氛；到了桥段部分，编曲配置还是延续先前的布局，鼓点和钢琴打底，管弦乐造势，为了再度形成层次熊光在哼唱部分又加入一轨微弱但容易察觉的钢琴，听到这里再去细细回想，这首歌的旋律和编曲丰富度着实令人瞠目。
随着熊光升高又回落的哼唱结束，所有的节奏音和管弦乐也戛然而止，只剩一轨钢琴弥留下慵懒悠闲的韵味，给在这首歌中被唤醒而又膨胀到极致的喜悦情绪注入了一剂镇定。在钢琴仍留有微弱余音的十秒钟里，让我们整理好心情，去重新品味一下初恋的味道。
在《Fantôme》中我们有《花束を君に》，在《初恋》中我们便有了这首《あなた》。
首先，这首歌的段落编排非常有趣，先一遍副歌，然后两遍主歌、预副歌、副歌的套餐，而即兴感十足的“桥段”却被放在了最后，是在熊光的流行歌中很少见的结构。
其次是节奏，这首歌的节奏感相比前一首有些许的弱化，前一首歌的副歌中的旋律、和声、人声与节奏浑然一体，有整齐划一的统一感。但这首歌的节奏感也不算弱，它的呈现方式是段落化、层次化的，在节奏感上起到了前后过渡的作用。在主副歌的交替进行中我们可以发现，主歌更倾向于旋律表现，而副歌尤其是后半段则有非常强的动感，使歌曲在进行中有了丰富多变的新鲜感。
再然后，这首歌的旋律也是极为丰富的。主歌、预副歌各一段旋律，副歌两段，桥段部分又两段，这么多旋律连接在一起十分流畅，没有让人感到一瞬间的卡顿，再加上和声中的管乐和弦乐，数量多质量高，对偏好流行旋律的朋友来说绝对是一场听觉盛宴。主歌的旋律起伏变化较大，一开始就是比较大幅度的上行，几个拖长音的key也比较高，这个旋律走向表现了一种不太稳定的感觉，也确实不适合放在歌曲的最开始。预副歌短短两句却又很强的推动感，最后的长音停在F4，在音高上承接上了主歌和副歌，是构成这首歌旋律流畅性的一个重要环节。副歌部分的旋律是最抓耳的，音区定在偏高的中音区，非常适合熊光发力，第一段句首冲高逐级下降句尾下沉，柔美绵长的旋律线配合她优质的中音音色给人安定感；第二段节奏感很强，句中频繁地出现小长音，给人微妙的拖拍感，与旋律相结合给这段音乐增添了饱满度，使得高潮段落更有力量。被放在最后的桥段部分是最大的惊喜，前半段的旋律写得非常老练，句中细腻的波动迎合并且增强了节奏的动感，第一句句尾旋律下沉，第二句上扬，第三句拖长，如此教科书写法的一套“hook”旋律熊光写起来真的是信手拈来（这种旋律格式在这张专辑里可以说是随处可见）；后半段的旋律非常有升华感，转音和哼唱的部分又有很强的即兴感，使得歌曲在主副歌的定式循环之后更多了一分充满张力的自由度。
这首歌与《花束を君に》同样是暖色调的情感体验，音色上却更加饱满，层次上与《花束を君に》一样细腻丰富，且这首歌豪华的编曲配置明显是升级过的，错落有致的配器编排更显出编曲的繁简有度，听觉上的刺激恰到好处，这也是熊光编曲克制力的表现。同时她将演唱上细微的变化处理插入到各个相似的段落中，她的声线时紧时松张弛有度，在偏高音的位置她没有拼声音的高度和强度，而是通过混声的转换借力表现旋律线的丰富度，也避免了人声过于突出而打破旋律性和节奏感的平衡。第一遍副歌开始只有钢琴和人声，熊光的音色比过去更加柔和圆润，在几个上挑拖长的“o”元音里唱出了些许演歌的风味，后来加入了鼓点等节奏元素使得这首歌瞬间获得了动感与活力，把这首情歌唱出了快板元气曲的感觉；第一遍主歌加入弦乐，音乐听起来更加悠长柔婉，熊光混声与假声的流畅转换也在这一段中得到了全面的体现；而到了预副歌，弦乐被替换成了管乐，嘹亮的音色令这一段旋律更有推进感，最后一个长音加上了回声的效果，听起来更加立体；第二遍副歌时先前的鼓点和管弦乐都被加了进来，只是这时的管弦乐还比较弱，到了副歌的第二段管乐才突然明亮起来，强化了歌曲的暖色气氛；第二遍主歌的时候，本来的弦乐也发生了变化，它的旋律线阶梯状地上行，形成蓄力感推动主歌进入副歌；最后一遍的副歌前半段，熊光突然削弱伴奏的厚度，只剩下了钢琴与人声，为后半段的高潮段落做了缓冲，此外她在句尾悄悄加入了类似木鱼和铃鼓的音色，与第一遍时的副歌形成了差别细微的对比，而后半段自然是管弦乐强势控场，在歌曲的高潮段落形成了盛大的欢庆气氛；到了桥段部分，编曲配置还是延续先前的布局，鼓点和钢琴打底，管弦乐造势，为了再度形成层次熊光在哼唱部分又加入一轨微弱但容易察觉的钢琴，听到这里再去细细回想，这首歌的旋律和编曲丰富度着实令人瞠目。
随着熊光升高又回落的哼唱结束，所有的节奏音和管弦乐也戛然而止，只剩一轨钢琴弥留下慵懒悠闲的韵味，给在这首歌中被唤醒而又膨胀到极致的喜悦情绪注入了一剂镇定。在钢琴仍留有微弱余音的十秒钟里，让我们整理好心情，去重新品味一下初恋的味道。
03 初恋 - 9分
本专抒情担当兼弦乐担当，我个人私心非常爱的一首。这首歌在这张风格多元、内容丰富的专辑中是一首相对朴素的存在，作为一首典型的成人抒情，这首歌充满了浓郁醇厚的情感，且个人认为这首歌比《Forevermore》更适合作为2010s的情歌代表。
这首歌首先亮出的便是副歌。熊光高音区的轻混声向来非常抓人，微弱频繁的颤音令她的声线听起来纤弱又纯净，饱满的蝶窦共鸣带来一股回声般的气感，仿佛一层淡淡的光泽始终柔和地覆盖着她的声线，听起来脆弱又凄美。这首歌副歌的key并不低，开口便定调在B4，且在熊光高位置共鸣饱满的轻柔音色的衬托下显得更高，整段副歌的音区在G4-D5段，前段是句中B4-A4反复然后句尾从B4沉到G4的循环（期间每句的最高音碰了一下C5），而后段的“I need you”则是D5-C5反复最后通过C5-A4-B4-G4的波折式下沉来收尾。作为用以抒发情绪的副歌，它从这首歌的一开始就定下了苦情悲伤的情绪基调，且在旋律走向整体下沉的作用下把情绪压得更低更悲。
说到用旋律抒发情绪，这首歌副歌前段的旋律其实很“怪”，熊光并没有常规地去写较大的音程跨度（最多时也只是句尾的B4-G4，仅5个key），也就无法形成在高潮段落上情绪高涨的听感，她的做法是把旋律“挂”在一个核心音高（B4）上作为记忆点，让旋律不断下沉并快速回到这个点——等同于把情绪也固定在了这个高度上——以此深化音乐推进至此所营造的情绪氛围。这样频繁微小的音高波动听起来像一个绵长的颤音，但比单纯的颤音更能给人留下旋律起伏的细腻感，而这般快速的跳动往复，也更给人一种翻滚纠缠的复杂情绪体验，多数旋律到最后都压低到G4，再添了一分令人悲叹的苦情色彩，搭配上后来“I need you”的循环，最终这样的旋律落在心尖儿上，化作了一股不绝如缕的“痒”。
副歌之后接上主歌，key突然掉下来，像是最初先看到结局的倒叙结构。如果说最开始的副歌起到了奠定情绪基调并将情绪渲染放大的作用，那么主歌和预副歌的作用就是从情感的源头引出并激发情绪。主歌中低音，预副歌中音，副歌中高音，在音高的维度上形成阶梯状的层次感，且主歌、预副歌以及桥段的旋律起伏更大，有着故事情节起承转合的曲折感，加之熊光本就扎实醇厚的中低音音色，使得主歌和预副歌听起来有了很强的叙事感，从而构成强大的推动力，把情绪推入抒情氛围更浓郁的副歌部分。
过去的熊光常把主歌和预副歌写得稍平，慢慢推进，而将更容易产生情绪层次和转折的副歌写得起伏更大，在副歌段落内用张力巨大的旋律直接引发情绪变化，从而形成鲜明对比。可现在来看，这首歌的写法几乎是倒置了她曾经的创作手法，虽然有新鲜感，但这首歌平缓的副歌旋律不易在副歌段落内形成落差，仅凭人声、钢琴、吉他和定音鼓这样简单的配置，又很难构成逐步加深的情绪层次，所以在这首歌中熊光把本属于主旋律的艰巨任务交给了伴奏中的弦乐。
弦乐与这首歌里的钢琴、吉他、定音鼓不同，本身就是发声时值可以做到相对更长的乐器，更容易通过在某个音高上的拉长来延伸旋律走到某个点上时所形成的情绪，而高低音之间有着明显的音色变化，也就更容易在剧烈的音高变化中刺激听觉来触发相应的情绪。而在这首歌里，弦乐就像是强大的催化剂，在它面前所有的旋律都变得平淡，它精彩到甚至可以独立于这首歌而存在，它强大的调动力宛如潮水一般，在潮涨潮落之间带着所有人的情绪一同起起落落，也正是这首歌在情绪上最抓人的点。
编曲一开始从吉他和钢琴开始，到了副歌“I need you”的部分弦乐出现，这里的弦乐还比较淡，主要在比人声稍低一点的位置上与人声并行，营造冷调的氛围，也让单薄的编曲有了厚度。随后弦乐在主歌开始时消失，在主歌快要结束时再度浮出水面，随着主旋律的上扬，弦乐也是由弱到强地蜿蜒上行，二者一同进入预副歌。在预副歌这两段里，弦乐固定着以多个短音的形式重复着由低到高的循环，这种急促感也强化了情绪的激烈程度，把徘徊在主歌低音区的悲伤情绪也一同“提”了起来，而第二段预副歌时，熊光又加上了一轨与前一段旋律完全相同的弦乐，这一轨向上翻了一个八度，音色比前一轨更加明亮，使得感情有了愈发强烈的指向，情绪也被更有层次地推向高点。在与主歌和预副歌的对比上，弦乐体现出歌词在这两段之间的转折，也呼应了歌词中想念却再也无法触及的悲伤。紧接着一阵密集的鼓声像关节一样连接起预副歌和副歌，原本急促的琴音驶入副歌突然变得凄婉柔长，弦乐在这里像潮水退潮一般由高到低逐级下行逐渐变弱，相对平缓的副歌旋律像平静的水面，高涨的情绪则被弦乐牵引着步步退却并一路沉入悲伤的海底，此时歌词的重点再次回到自身，将失恋后的缺失与孤独描绘成画面，在熊光“hold me like you are mine”的合声中缓缓晕染开来。第三遍副歌结束后进入桥段，依然由鼓声连接，弦乐突然沉底，以钢琴的低音作为支点，仿佛涨潮一样层层渐进地爬高，就像那句“欲しいものが 手の届くとこに見える”，这里的情绪不再后退，而是像这一段起伏巨大的旋律一样不断升高，急切地想要伸出手抓住那份逐渐远去的幸福，曲和词在此处缠绕起来，把这份令人揪心的渴望抛上了情绪的小高潮，却又转眼间便消失。在突如其来的寂静中，最后一遍副歌的编曲层次由弱到强，情绪也不断膨胀，弦乐先落后起的走势就像这一整首歌情绪变化的缩影，“I need you”的部分让这首歌的感情冲到了最高点，最终这首歌也随着弦乐的渐渐沉落回归了平静。
这首歌凝固于初恋结束的瞬间，是那一瞬间所有心绪和感受的延伸。副歌歌词不直接写分别后的心碎，而透过具象的细节和画面去表达悲伤，内心所有的言语历经几番转折最终总是归于无法表达的直接反应，让人明白原来这就是初恋。初恋总是如此深刻，扎根于心底，成长为一片荫蔽，建立起人与人之间关系的最初印象，化为我们眼中感情理应成为的样子。这样深刻的关系总是彼此交融的，敞开一部分的自己接纳对方，抛下一部分的自己靠近对方，深深地影响着自己看待彼此、看待世界的方式，也令自己在悲喜交加中成长。
这本该是一种精神和灵魂的完善，因为对方而理解了不曾体会过的情感，因为对方而创造出无可复制的回忆，更因为对方的离去也一并带走了一部分的自我，而使得内心在这一刹那停止了生长。这种骤然的缺失感是这首歌中悲伤气息的根源，而初恋结束的心碎则在此之上破土发芽最终结出苦涩的果实。于是歌词便在这种缺失和心碎之间交替转折，亦像是这首歌的弦乐走向，情绪时而后退时而前进，想要走出阴霾却又被孤独击溃，想要伸手挽留却再也无法触及，在如此往复纠葛之中才终于理解了自己究竟需要什么，而什么又才是最重要的。
我想所有人都是脆弱的吧，都曾在与他人的关系中获得幸福也感到受伤，这首歌便诞生于这两种感受的交融。歌词中所说的“私に知らせる これが初恋と”恐怕不仅指这段弥足珍贵的关系，亦是理解了这段关系的分量和自己的心之所向。歌词中描绘的这份情感是失而不复得的，是近在眼前却触之不及的，凝集于此的抱憾更是对这份怅然若失的真正意味的理解。
人总是在经历失去之后才懂得珍惜，如今结局已定，可无论谁人如何议论，对错都只存在于人心，今后只有伸出手去把握住自己真正的渴望，才会得到自己的答案——倘若这份沉甸甸的心意只能停留于此了，那么下一次就不要再错过了。
本专抒情担当兼弦乐担当，我个人私心非常爱的一首。这首歌在这张风格多元、内容丰富的专辑中是一首相对朴素的存在，作为一首典型的成人抒情，这首歌充满了浓郁醇厚的情感，且个人认为这首歌比《Forevermore》更适合作为2010s的情歌代表。
这首歌首先亮出的便是副歌。熊光高音区的轻混声向来非常抓人，微弱频繁的颤音令她的声线听起来纤弱又纯净，饱满的蝶窦共鸣带来一股回声般的气感，仿佛一层淡淡的光泽始终柔和地覆盖着她的声线，听起来脆弱又凄美。这首歌副歌的key并不低，开口便定调在B4，且在熊光高位置共鸣饱满的轻柔音色的衬托下显得更高，整段副歌的音区在G4-D5段，前段是句中B4-A4反复然后句尾从B4沉到G4的循环（期间每句的最高音碰了一下C5），而后段的“I need you”则是D5-C5反复最后通过C5-A4-B4-G4的波折式下沉来收尾。作为用以抒发情绪的副歌，它从这首歌的一开始就定下了苦情悲伤的情绪基调，且在旋律走向整体下沉的作用下把情绪压得更低更悲。
说到用旋律抒发情绪，这首歌副歌前段的旋律其实很“怪”，熊光并没有常规地去写较大的音程跨度（最多时也只是句尾的B4-G4，仅5个key），也就无法形成在高潮段落上情绪高涨的听感，她的做法是把旋律“挂”在一个核心音高（B4）上作为记忆点，让旋律不断下沉并快速回到这个点——等同于把情绪也固定在了这个高度上——以此深化音乐推进至此所营造的情绪氛围。这样频繁微小的音高波动听起来像一个绵长的颤音，但比单纯的颤音更能给人留下旋律起伏的细腻感，而这般快速的跳动往复，也更给人一种翻滚纠缠的复杂情绪体验，多数旋律到最后都压低到G4，再添了一分令人悲叹的苦情色彩，搭配上后来“I need you”的循环，最终这样的旋律落在心尖儿上，化作了一股不绝如缕的“痒”。
副歌之后接上主歌，key突然掉下来，像是最初先看到结局的倒叙结构。如果说最开始的副歌起到了奠定情绪基调并将情绪渲染放大的作用，那么主歌和预副歌的作用就是从情感的源头引出并激发情绪。主歌中低音，预副歌中音，副歌中高音，在音高的维度上形成阶梯状的层次感，且主歌、预副歌以及桥段的旋律起伏更大，有着故事情节起承转合的曲折感，加之熊光本就扎实醇厚的中低音音色，使得主歌和预副歌听起来有了很强的叙事感，从而构成强大的推动力，把情绪推入抒情氛围更浓郁的副歌部分。
过去的熊光常把主歌和预副歌写得稍平，慢慢推进，而将更容易产生情绪层次和转折的副歌写得起伏更大，在副歌段落内用张力巨大的旋律直接引发情绪变化，从而形成鲜明对比。可现在来看，这首歌的写法几乎是倒置了她曾经的创作手法，虽然有新鲜感，但这首歌平缓的副歌旋律不易在副歌段落内形成落差，仅凭人声、钢琴、吉他和定音鼓这样简单的配置，又很难构成逐步加深的情绪层次，所以在这首歌中熊光把本属于主旋律的艰巨任务交给了伴奏中的弦乐。
弦乐与这首歌里的钢琴、吉他、定音鼓不同，本身就是发声时值可以做到相对更长的乐器，更容易通过在某个音高上的拉长来延伸旋律走到某个点上时所形成的情绪，而高低音之间有着明显的音色变化，也就更容易在剧烈的音高变化中刺激听觉来触发相应的情绪。而在这首歌里，弦乐就像是强大的催化剂，在它面前所有的旋律都变得平淡，它精彩到甚至可以独立于这首歌而存在，它强大的调动力宛如潮水一般，在潮涨潮落之间带着所有人的情绪一同起起落落，也正是这首歌在情绪上最抓人的点。
编曲一开始从吉他和钢琴开始，到了副歌“I need you”的部分弦乐出现，这里的弦乐还比较淡，主要在比人声稍低一点的位置上与人声并行，营造冷调的氛围，也让单薄的编曲有了厚度。随后弦乐在主歌开始时消失，在主歌快要结束时再度浮出水面，随着主旋律的上扬，弦乐也是由弱到强地蜿蜒上行，二者一同进入预副歌。在预副歌这两段里，弦乐固定着以多个短音的形式重复着由低到高的循环，这种急促感也强化了情绪的激烈程度，把徘徊在主歌低音区的悲伤情绪也一同“提”了起来，而第二段预副歌时，熊光又加上了一轨与前一段旋律完全相同的弦乐，这一轨向上翻了一个八度，音色比前一轨更加明亮，使得感情有了愈发强烈的指向，情绪也被更有层次地推向高点。在与主歌和预副歌的对比上，弦乐体现出歌词在这两段之间的转折，也呼应了歌词中想念却再也无法触及的悲伤。紧接着一阵密集的鼓声像关节一样连接起预副歌和副歌，原本急促的琴音驶入副歌突然变得凄婉柔长，弦乐在这里像潮水退潮一般由高到低逐级下行逐渐变弱，相对平缓的副歌旋律像平静的水面，高涨的情绪则被弦乐牵引着步步退却并一路沉入悲伤的海底，此时歌词的重点再次回到自身，将失恋后的缺失与孤独描绘成画面，在熊光“hold me like you are mine”的合声中缓缓晕染开来。第三遍副歌结束后进入桥段，依然由鼓声连接，弦乐突然沉底，以钢琴的低音作为支点，仿佛涨潮一样层层渐进地爬高，就像那句“欲しいものが 手の届くとこに見える”，这里的情绪不再后退，而是像这一段起伏巨大的旋律一样不断升高，急切地想要伸出手抓住那份逐渐远去的幸福，曲和词在此处缠绕起来，把这份令人揪心的渴望抛上了情绪的小高潮，却又转眼间便消失。在突如其来的寂静中，最后一遍副歌的编曲层次由弱到强，情绪也不断膨胀，弦乐先落后起的走势就像这一整首歌情绪变化的缩影，“I need you”的部分让这首歌的感情冲到了最高点，最终这首歌也随着弦乐的渐渐沉落回归了平静。
这首歌凝固于初恋结束的瞬间，是那一瞬间所有心绪和感受的延伸。副歌歌词不直接写分别后的心碎，而透过具象的细节和画面去表达悲伤，内心所有的言语历经几番转折最终总是归于无法表达的直接反应，让人明白原来这就是初恋。初恋总是如此深刻，扎根于心底，成长为一片荫蔽，建立起人与人之间关系的最初印象，化为我们眼中感情理应成为的样子。这样深刻的关系总是彼此交融的，敞开一部分的自己接纳对方，抛下一部分的自己靠近对方，深深地影响着自己看待彼此、看待世界的方式，也令自己在悲喜交加中成长。
这本该是一种精神和灵魂的完善，因为对方而理解了不曾体会过的情感，因为对方而创造出无可复制的回忆，更因为对方的离去也一并带走了一部分的自我，而使得内心在这一刹那停止了生长。这种骤然的缺失感是这首歌中悲伤气息的根源，而初恋结束的心碎则在此之上破土发芽最终结出苦涩的果实。于是歌词便在这种缺失和心碎之间交替转折，亦像是这首歌的弦乐走向，情绪时而后退时而前进，想要走出阴霾却又被孤独击溃，想要伸手挽留却再也无法触及，在如此往复纠葛之中才终于理解了自己究竟需要什么，而什么又才是最重要的。
我想所有人都是脆弱的吧，都曾在与他人的关系中获得幸福也感到受伤，这首歌便诞生于这两种感受的交融。歌词中所说的“私に知らせる これが初恋と”恐怕不仅指这段弥足珍贵的关系，亦是理解了这段关系的分量和自己的心之所向。歌词中描绘的这份情感是失而不复得的，是近在眼前却触之不及的，凝集于此的抱憾更是对这份怅然若失的真正意味的理解。
人总是在经历失去之后才懂得珍惜，如今结局已定，可无论谁人如何议论，对错都只存在于人心，今后只有伸出手去把握住自己真正的渴望，才会得到自己的答案——倘若这份沉甸甸的心意只能停留于此了，那么下一次就不要再错过了。
04 誓い - 9.9分
本专流行派歌曲中毫无争议的王者。前所未有的节奏运用、别出心裁的段落结构、循序渐进的演唱层次，这些经过熊光编曲的精雕细琢呈现出极具新意的形态，也由此使得这首歌区别于本专其他流行派歌曲而出类拔萃。
稳重坚实的钢琴和舒缓悠长的弦乐为这首歌拉开了帷幕，这两种乐器分别引出这首歌的节奏感和旋律性，一低一高，一重一轻，为歌曲预设好听觉上的开阔感。主歌虽然起调在比较高的中音区，旋律走向的升降波折也很多，但高低音之间相对均衡，歌曲的情绪从一开始便被固定在一个相对安定平和的状态。熊光的中音音色是一如既往的饱满，低音下潜地很稳，而高音则用轻混声圆滑地带过，不论是句尾渐弱的气息控制和颤音抖动，还是在长音中吐息的细微收放感，都在她的声线中得到了细腻的表达。
第二段主歌时引入了两轨鼓点，其中一轨重鼓声是与钢琴完全同步的4/4拍，而另一轨是强、弱、弱、次强、弱、弱结构的6/8拍，也正是这首歌节奏的主干。很多人初听这首歌时都说对不上节拍，那是因为一开始的钢琴是强、弱、次强、弱的4/4拍，还刻意地在弱拍上加入连音又稍稍拖拍，显得节奏紧促且重心拉后，动摇了4/4拍规整的节奏特点，在听感上略微向6/8拍靠拢，而熊光唱的则是6/8拍，所以在第一段主歌会产生节奏感上的不齐整，到第二段主歌时两种节奏型对撞，只在每小节的强拍和次强拍上重叠，弱拍部分自然就会有稍显混乱的不稳定感。不得不说熊光真的很敢写，4/4拍律动感更强，常出现于R&B等风格的歌曲中，也是熊光最常用的节奏型；而6/8拍强拍的间隔非常大，会削弱节奏感，从而凸显旋律的舒缓悠长，也是爵士乐中常见的节奏。从前奏开始的4/4拍钢琴调动节奏感，第二段主歌开始的6/8拍鼓点强化旋律性，在舒缓优美的旋律中靠和声的节奏引出律动感，且由此将节奏重心转向具有摇摆感的6/8拍，虽说在现场改编中这种写法并不少见，但要放到表现更加细腻的录音室音乐中，.熊光还是下了很多功夫的。
到了副歌旋律被提到高音区，音符变得密集，旋律线的波折更加细腻，情绪也随着人声的抬高而高涨起来，熊光的高音不求力度，但凡旋律有上扬的趋势，她便立刻转到音色明亮的轻混声，一整段副歌被她唱得非常轻盈。值得一提的是，这首歌的副歌部分全部都是弱起的，正常的6/8拍节奏应该是从强拍开始（如上段所述），而副歌的开始是“（副歌开始）弱、弱 | 强、弱、弱、次强、弱、弱 | ……（正常循环）…… | 强、弱、弱、次强（副歌结束）”，即最初从前一个小节的倒数第二个弱拍开始，最后在一个小节的次强拍结束，前后两个不完整的小节合并起来则又是一个完整小节，节奏仍然完整不会错位。这样写的好处是，在副歌中把强拍的位置整体拖后两拍，使每个强拍听起来都有弱拍在前面作为缓冲铺垫，即让“强、弱、弱”的循环听起来像“弱、弱、强”，且副歌旋律每每从弱拍到达强拍时，刚好也都是音高大幅上抬到达旋律高点的时刻（比如副歌第一句，从弱拍G4开始两拍后到强拍D5，升了7key），将节奏强拍和旋律高点重叠起来，“强”与“高”两个特点相互作用，使得情绪从弱到强的往复像一波又一波的潮水般不断被冲高，推动着副歌前进，也与主歌平稳的情绪形成了鲜明的对比。
至此我们已经听过了一段完整的主副歌，可以听到在情绪上有从低到高的程度变化，但情绪的性质却是混沌的，这是这首歌另一个高明的点。钢琴有平稳的坚定感，弦乐有舒缓的从容感，鼓点加入后在节奏上形成了微妙的不稳定，这些感受搭配上主旋律构成了情绪的大融合，我们可以从中准确地抓住那个悲伤的情绪核心，但却不能用它简单的概括这首歌。这种悲伤是暧昧的模糊的，是通过编曲调和出来的，相比熊光过去那种浓重单调的表现方式，它不刻意在听觉上给人强烈刺激来强化情绪，不极端不浓烈，但却更加复杂真实，这样表达的悲伤是更高级的，也是这首歌冷调色彩的主要体现。
在第二遍主歌里，熊光在句尾加入了一点带有环绕感的效果音色，又添上一轨人声辅助主旋律来提高人声的丰富度，主歌最后一串快速的下行音阶把情绪压低，与接下来骤然升高的副歌也形成了更大的反差。进入副歌，熊光在演唱上有了更多的句与句之间的强弱对比，比如某几个高音的力感有所增加，而某几个高音则唱得更轻飘，句尾部分的颤音更加纤弱细腻，使情感的表达更加细化（或者简单地说，她唱得更有感情）。第二段主副歌之后的桥段变回了由强拍开始的节奏，桥段的旋律升了2key但相对副歌较平，句尾旋律下沉、上扬交替进行的走向很好地兜住了副歌高涨的情绪，这时的弦乐突然拉到了非常高的位置，像是副歌中饱满情绪的延续，也与主旋律形成高低位置的对比和互补。接下来伴奏突然安静，只剩下4/4拍的钢琴和“念白”式的唱词，唱词部分依然是6/8拍的弱起，与第三遍副歌完美衔接，人声在D4、F4、G4这几个音上稳定地上下浮动，接近平常讲话的音高，用带有叙述感的口吻强化歌词内容，使这一段听起来简直就像是“誓言”本身，与《嫉妬されるべき人生》桥段的处理方式类似。那句“ああ 泣きたい”像是平静湖面上的一朵小小的浪花，把歌曲重新带回原有的编曲氛围里，随后鼓点和弦乐也回归到伴奏中，在熊光的合声中歌曲进入第三段副歌。最后的一遍副歌，可以听出熊光真的是铆足了力气，所有在强拍上的高音都音色饱满且富有力感，在这一遍音符紧凑的副歌中，她利用声音的力度将高涨激昂又带有一点紧张感的情绪再度推上了高点。
到此，熊光并没有结束这首歌，以她的能力还可以让情绪更加沸腾。按照国际惯例，《Kingdom Hearts》系列的主题曲在最后总会有一段使歌曲再延伸出一个新层次的转调，比如《光》转调后的段落，旋律线的流转既细腻又柔美，熊光的声线像一层轻薄的丝绸把人包裹住，歌中的温暖与幸福最终升华为迎面而来的万丈光芒；再比如《Passion》，转调前一瞬间的空白释放了军鼓和电吉他带来的紧张感，音阶的不断爬升打开了前所未有的开阔视野，歌中那股淡淡的悲怆感也由此变得盛大又宏伟。而在这首《誓い》中，熊光用最后一遍副歌把情绪推高后，立刻借由最后这段转调把情绪再度放大。她把副歌中紧凑的旋律起伏骤然拉长，让情绪渲染得更加浓厚，再将旋律与伴奏中的合声一同缓缓抬高，在第二段“Kiss me once …”时她加入一轨渐强的鼓点，这轨鼓点颤抖般地微微鼓动，给予了这首歌蓄势爆发的力量感，第三段“Kiss me once …”更是神来之笔，她把之前那段“念白”式唱词加入到了伴奏中（而且频率上跟刚才那轨鼓点很相近），这两轨歌词的组合更是两组“誓言”的融合，她唱出的是眼下最直接真挚的渴望，而伴奏里响起的则是她内心最坚定的愿望，为了表达出这股强烈的情绪，熊光在最后这个转调段落里的高音有着近年来最好的强声表现，从而也成为这首歌演唱部分最强的层次。在这之后，依然是用桥段旋律为整首歌的起承转合收尾，它的平稳也适合为饱满的情绪降温，这首歌的最后是一小节的旋律上扬，尾奏的钢琴与前奏相呼应，仿佛这不是一首歌的结尾，而是一段爱情终于达到了下一个起点。
这首歌的歌词道出了一种在爱中卑微，却对爱坚定的态度。或许是经历了太多困顿的缘故，如今面对那个对的人、这个对的瞬间，内心竟被自卑所动摇；又或许是在这世间徘徊太久，终于遇到这份幸福的时候，竟一时难以相信它真的出现。可如今，过去的一切都不该再成为当下的困扰，在这个立下誓言的时刻，抛下了悲伤的过往，舍弃了懦弱的自我，仿佛今生只为这一刻而活。这首歌在伤感的气氛中积极地前进，那份伤感是一路上的艰难坎坷，那份积极则是两个人对未来人生的共同向往，在这段过程中，内心的声音逐渐暗淡，被想要与身边人走过一生的坚定感所取代，化为一切终于修成正果的感慨。桥段的转折给了这首歌应有的仪式感，伤感情绪也随着诵读誓言的临近而变得紧张，喜悦、悲伤、激动、期待交融在一起汇成泪水，与此相称的不是约定或承诺，而是至死不渝、独一无二的誓约，是终于决定了抛弃一切也要共度一生的心愿。“Kiss me once, kiss me twice, kiss me three times”，除此之外不需要任何言语作为这份誓言的回应，在这之后爱情便结束了，取而代之的是在这份誓言中过完这一生，亦是彼此的新生。
这首歌距离10分仅有0.1分，原因是有一种不由自主的诡异力量让我把唯一的满分打给了《嫉妬されるべき人生》。
本专流行派歌曲中毫无争议的王者。前所未有的节奏运用、别出心裁的段落结构、循序渐进的演唱层次，这些经过熊光编曲的精雕细琢呈现出极具新意的形态，也由此使得这首歌区别于本专其他流行派歌曲而出类拔萃。
稳重坚实的钢琴和舒缓悠长的弦乐为这首歌拉开了帷幕，这两种乐器分别引出这首歌的节奏感和旋律性，一低一高，一重一轻，为歌曲预设好听觉上的开阔感。主歌虽然起调在比较高的中音区，旋律走向的升降波折也很多，但高低音之间相对均衡，歌曲的情绪从一开始便被固定在一个相对安定平和的状态。熊光的中音音色是一如既往的饱满，低音下潜地很稳，而高音则用轻混声圆滑地带过，不论是句尾渐弱的气息控制和颤音抖动，还是在长音中吐息的细微收放感，都在她的声线中得到了细腻的表达。
第二段主歌时引入了两轨鼓点，其中一轨重鼓声是与钢琴完全同步的4/4拍，而另一轨是强、弱、弱、次强、弱、弱结构的6/8拍，也正是这首歌节奏的主干。很多人初听这首歌时都说对不上节拍，那是因为一开始的钢琴是强、弱、次强、弱的4/4拍，还刻意地在弱拍上加入连音又稍稍拖拍，显得节奏紧促且重心拉后，动摇了4/4拍规整的节奏特点，在听感上略微向6/8拍靠拢，而熊光唱的则是6/8拍，所以在第一段主歌会产生节奏感上的不齐整，到第二段主歌时两种节奏型对撞，只在每小节的强拍和次强拍上重叠，弱拍部分自然就会有稍显混乱的不稳定感。不得不说熊光真的很敢写，4/4拍律动感更强，常出现于R&B等风格的歌曲中，也是熊光最常用的节奏型；而6/8拍强拍的间隔非常大，会削弱节奏感，从而凸显旋律的舒缓悠长，也是爵士乐中常见的节奏。从前奏开始的4/4拍钢琴调动节奏感，第二段主歌开始的6/8拍鼓点强化旋律性，在舒缓优美的旋律中靠和声的节奏引出律动感，且由此将节奏重心转向具有摇摆感的6/8拍，虽说在现场改编中这种写法并不少见，但要放到表现更加细腻的录音室音乐中，.熊光还是下了很多功夫的。
到了副歌旋律被提到高音区，音符变得密集，旋律线的波折更加细腻，情绪也随着人声的抬高而高涨起来，熊光的高音不求力度，但凡旋律有上扬的趋势，她便立刻转到音色明亮的轻混声，一整段副歌被她唱得非常轻盈。值得一提的是，这首歌的副歌部分全部都是弱起的，正常的6/8拍节奏应该是从强拍开始（如上段所述），而副歌的开始是“（副歌开始）弱、弱 | 强、弱、弱、次强、弱、弱 | ……（正常循环）…… | 强、弱、弱、次强（副歌结束）”，即最初从前一个小节的倒数第二个弱拍开始，最后在一个小节的次强拍结束，前后两个不完整的小节合并起来则又是一个完整小节，节奏仍然完整不会错位。这样写的好处是，在副歌中把强拍的位置整体拖后两拍，使每个强拍听起来都有弱拍在前面作为缓冲铺垫，即让“强、弱、弱”的循环听起来像“弱、弱、强”，且副歌旋律每每从弱拍到达强拍时，刚好也都是音高大幅上抬到达旋律高点的时刻（比如副歌第一句，从弱拍G4开始两拍后到强拍D5，升了7key），将节奏强拍和旋律高点重叠起来，“强”与“高”两个特点相互作用，使得情绪从弱到强的往复像一波又一波的潮水般不断被冲高，推动着副歌前进，也与主歌平稳的情绪形成了鲜明的对比。
至此我们已经听过了一段完整的主副歌，可以听到在情绪上有从低到高的程度变化，但情绪的性质却是混沌的，这是这首歌另一个高明的点。钢琴有平稳的坚定感，弦乐有舒缓的从容感，鼓点加入后在节奏上形成了微妙的不稳定，这些感受搭配上主旋律构成了情绪的大融合，我们可以从中准确地抓住那个悲伤的情绪核心，但却不能用它简单的概括这首歌。这种悲伤是暧昧的模糊的，是通过编曲调和出来的，相比熊光过去那种浓重单调的表现方式，它不刻意在听觉上给人强烈刺激来强化情绪，不极端不浓烈，但却更加复杂真实，这样表达的悲伤是更高级的，也是这首歌冷调色彩的主要体现。
在第二遍主歌里，熊光在句尾加入了一点带有环绕感的效果音色，又添上一轨人声辅助主旋律来提高人声的丰富度，主歌最后一串快速的下行音阶把情绪压低，与接下来骤然升高的副歌也形成了更大的反差。进入副歌，熊光在演唱上有了更多的句与句之间的强弱对比，比如某几个高音的力感有所增加，而某几个高音则唱得更轻飘，句尾部分的颤音更加纤弱细腻，使情感的表达更加细化（或者简单地说，她唱得更有感情）。第二段主副歌之后的桥段变回了由强拍开始的节奏，桥段的旋律升了2key但相对副歌较平，句尾旋律下沉、上扬交替进行的走向很好地兜住了副歌高涨的情绪，这时的弦乐突然拉到了非常高的位置，像是副歌中饱满情绪的延续，也与主旋律形成高低位置的对比和互补。接下来伴奏突然安静，只剩下4/4拍的钢琴和“念白”式的唱词，唱词部分依然是6/8拍的弱起，与第三遍副歌完美衔接，人声在D4、F4、G4这几个音上稳定地上下浮动，接近平常讲话的音高，用带有叙述感的口吻强化歌词内容，使这一段听起来简直就像是“誓言”本身，与《嫉妬されるべき人生》桥段的处理方式类似。那句“ああ 泣きたい”像是平静湖面上的一朵小小的浪花，把歌曲重新带回原有的编曲氛围里，随后鼓点和弦乐也回归到伴奏中，在熊光的合声中歌曲进入第三段副歌。最后的一遍副歌，可以听出熊光真的是铆足了力气，所有在强拍上的高音都音色饱满且富有力感，在这一遍音符紧凑的副歌中，她利用声音的力度将高涨激昂又带有一点紧张感的情绪再度推上了高点。
到此，熊光并没有结束这首歌，以她的能力还可以让情绪更加沸腾。按照国际惯例，《Kingdom Hearts》系列的主题曲在最后总会有一段使歌曲再延伸出一个新层次的转调，比如《光》转调后的段落，旋律线的流转既细腻又柔美，熊光的声线像一层轻薄的丝绸把人包裹住，歌中的温暖与幸福最终升华为迎面而来的万丈光芒；再比如《Passion》，转调前一瞬间的空白释放了军鼓和电吉他带来的紧张感，音阶的不断爬升打开了前所未有的开阔视野，歌中那股淡淡的悲怆感也由此变得盛大又宏伟。而在这首《誓い》中，熊光用最后一遍副歌把情绪推高后，立刻借由最后这段转调把情绪再度放大。她把副歌中紧凑的旋律起伏骤然拉长，让情绪渲染得更加浓厚，再将旋律与伴奏中的合声一同缓缓抬高，在第二段“Kiss me once …”时她加入一轨渐强的鼓点，这轨鼓点颤抖般地微微鼓动，给予了这首歌蓄势爆发的力量感，第三段“Kiss me once …”更是神来之笔，她把之前那段“念白”式唱词加入到了伴奏中（而且频率上跟刚才那轨鼓点很相近），这两轨歌词的组合更是两组“誓言”的融合，她唱出的是眼下最直接真挚的渴望，而伴奏里响起的则是她内心最坚定的愿望，为了表达出这股强烈的情绪，熊光在最后这个转调段落里的高音有着近年来最好的强声表现，从而也成为这首歌演唱部分最强的层次。在这之后，依然是用桥段旋律为整首歌的起承转合收尾，它的平稳也适合为饱满的情绪降温，这首歌的最后是一小节的旋律上扬，尾奏的钢琴与前奏相呼应，仿佛这不是一首歌的结尾，而是一段爱情终于达到了下一个起点。
这首歌的歌词道出了一种在爱中卑微，却对爱坚定的态度。或许是经历了太多困顿的缘故，如今面对那个对的人、这个对的瞬间，内心竟被自卑所动摇；又或许是在这世间徘徊太久，终于遇到这份幸福的时候，竟一时难以相信它真的出现。可如今，过去的一切都不该再成为当下的困扰，在这个立下誓言的时刻，抛下了悲伤的过往，舍弃了懦弱的自我，仿佛今生只为这一刻而活。这首歌在伤感的气氛中积极地前进，那份伤感是一路上的艰难坎坷，那份积极则是两个人对未来人生的共同向往，在这段过程中，内心的声音逐渐暗淡，被想要与身边人走过一生的坚定感所取代，化为一切终于修成正果的感慨。桥段的转折给了这首歌应有的仪式感，伤感情绪也随着诵读誓言的临近而变得紧张，喜悦、悲伤、激动、期待交融在一起汇成泪水，与此相称的不是约定或承诺，而是至死不渝、独一无二的誓约，是终于决定了抛弃一切也要共度一生的心愿。“Kiss me once, kiss me twice, kiss me three times”，除此之外不需要任何言语作为这份誓言的回应，在这之后爱情便结束了，取而代之的是在这份誓言中过完这一生，亦是彼此的新生。
这首歌距离10分仅有0.1分，原因是有一种不由自主的诡异力量让我把唯一的满分打给了《嫉妬されるべき人生》。
05 Forevermore - 9分
这首歌有着精美的弦乐编写和细腻的编曲层次，在这张有着冷暖交替的段落结构的专辑中，它成为了第二段的结尾。弦乐营造出的浓重悲情色彩和强烈的节奏感是这首歌音乐性的核心，而爵士味十足的桥段中和了些许歌曲中的冷色调，使这首歌起到了承上启下的作用。
从前奏开始一直延续到主歌的弦乐与节奏非常契合，一轨非常重的低音卡在每一小节的强拍上，另一轨则是一段逐渐下行的音阶重复（这一轨和声的编排方式是熊光常用的，举例《夕凪》的钢琴和声），这一轨与主旋律有着相似的发展趋势，都在句尾沉了下去，既渲染出浓郁沉重的悲伤气氛，又强调了这首歌的节奏感，构成这首歌情绪的主调和节奏的基础。预副歌开始后，换用鼓点来强调节奏感，用电吉他引出爵士味，弦乐的旋律变得舒缓，并被压低音量藏到伴奏的深处，而这一段在旋律上开始变得复杂，多了一些上行的旋律走向，凸显出情绪张力，而副歌前合成器键盘弹出的一连串快速的下行音阶，也为副歌的情绪膨胀做了欲扬先抑的铺垫。
副歌前半段的主旋律在这首歌中是音高波动相对较大的，预副歌旋律的上行趋势给足了蓄力般的推进感，到了副歌则把旋律再度架高，比前两段有了更大的张力，这样曲折的旋律线也使情绪得到了进一步的放大和渲染。副歌后半段的英文歌词部分，熊光采用的手法与《Play A Love Song》的副歌部分相似，她把歌词的音节和鼓点捆绑在一起，使得节奏感更加强烈，而在“いつまでも”的部分，她又叠上一轨高3key的合声，再次垫高情绪的同时，也增添了音高的层次和人声的饱和感。副歌结束后，伴奏的余韵中又多了一个音色明亮的合成音，点亮了冷暗色调充盈的氛围，它伴随着熊光的哼唱渐低渐弱，在听感上给人回落的趋势，以便更加顺畅地衔接回到低音区的第二遍主歌，同时带着情绪一起沉下来。
第一遍完整的主副歌结构到此成型，可见这首歌在音区上的设计还是比较主流的处理方式。主歌旋律在低音区奠定情绪基调，预副歌旋律稍稍提到中音区，继续推动歌曲发展，副歌则定在中高音区，通过音高的波动强化情绪，也形成情绪的层次。
而在第二遍主歌中，伴奏里补上了之前没有的鼓点，弦乐部分整体升了1key，旋律线的基本走向没有变化，但能明显听到旋律线在逐渐下沉时在音高上有更多细腻的曲折；预副歌时弦乐同样变得舒缓悠长，但相比第一遍的单薄，这一遍的弦乐音量明显被拉高，有一种逐渐贴近的感觉；在第二遍副歌里，弦乐没有明显变化，只从02:46开始多了一轨与人声的旋律走向完全相同的弦乐和声，且在英文歌词的部分加入了之前没有的哼唱作为合声。这一遍主副歌段落中每一处的改动，都与前一遍产生了极其细微的差异对比，以熊光的水准，她不是不能把对比和层次做得更明显，可她选择了这种润物细无声的方式，让人听得到却不能轻易察觉到，这种不张扬不浮夸的精准的分寸感拿捏得实在厉害。
然后，最让人惊喜的桥段来了。这一段的画风突变杀了我们一个措手不及，弦乐骤停，节奏方面完全交给鼓点，旋律性的部分则交给人声与合成器键盘。熊光的演唱在咬字上每一句前紧后松，咬字时的拉长带了一点微微拖拍的感觉，期间她唱了三次Eb4-F4的滑音（03:29处她的长音还用了前面的办法又叠上一轨高3key的合声，不要以为我没发现），这种张弛有度的即兴感配合键盘自由多变的旋律散发出浓浓的爵士味。这股爵士味减弱了由弦乐和鼓点营造出的紧张感，也冲淡了情绪上浓郁的悲情气氛，利用曲调和风格上的变化调和了歌曲原有的冷调，是这首歌艺术价值上的核心，作为第二段落的收尾曲目，也为向下一个暖调段落过渡提前做好缓冲。
桥段后半段加入一轨不断拔高的弦乐，并在这轨弦乐急促上扬的短音中进入最后一段副歌，成为了最后高潮部分彰显情绪的主力。最后一遍副歌在层次上做到了最大化，鼓点、弦乐、电吉他、合成器应有尽有，人声在这个最后的高潮段落也有更细化的处理：演唱共鸣更加饱满更有力度，部分高音和长音有明显的拉长，更加凸显旋律的线条感，在一条条弦乐长音的照应之下，使得旋律与节奏最终势均力敌。而在这部分中，蓄力已久的弦乐正式大展身手，包括人声在内，所有音轨都在编曲相对较低的位置上，完全压盖不住在高位置上继续拔高的弦乐，而这轨弦乐第一个音就在非常高的Ab5上（熊光历史音域的最高音才只比这个高2key），还不断阶梯状地抬升直到F6，甚至在尾奏中翻过一整个八度最后到达Ab6，听感上非常过瘾却也更显得格外揪心，最大限度上地释放出这首歌压抑已久的悲伤情绪。与此同时，尾奏中的人声被熊光替换成了一段更有韵律感的即兴，且弦乐淡出后节奏感重新占据歌曲主导地位，既达成了第二段落中节奏感渐进增强的过渡，也完成了与下一首歌的节奏交接。
这首歌有着精美的弦乐编写和细腻的编曲层次，在这张有着冷暖交替的段落结构的专辑中，它成为了第二段的结尾。弦乐营造出的浓重悲情色彩和强烈的节奏感是这首歌音乐性的核心，而爵士味十足的桥段中和了些许歌曲中的冷色调，使这首歌起到了承上启下的作用。
从前奏开始一直延续到主歌的弦乐与节奏非常契合，一轨非常重的低音卡在每一小节的强拍上，另一轨则是一段逐渐下行的音阶重复（这一轨和声的编排方式是熊光常用的，举例《夕凪》的钢琴和声），这一轨与主旋律有着相似的发展趋势，都在句尾沉了下去，既渲染出浓郁沉重的悲伤气氛，又强调了这首歌的节奏感，构成这首歌情绪的主调和节奏的基础。预副歌开始后，换用鼓点来强调节奏感，用电吉他引出爵士味，弦乐的旋律变得舒缓，并被压低音量藏到伴奏的深处，而这一段在旋律上开始变得复杂，多了一些上行的旋律走向，凸显出情绪张力，而副歌前合成器键盘弹出的一连串快速的下行音阶，也为副歌的情绪膨胀做了欲扬先抑的铺垫。
副歌前半段的主旋律在这首歌中是音高波动相对较大的，预副歌旋律的上行趋势给足了蓄力般的推进感，到了副歌则把旋律再度架高，比前两段有了更大的张力，这样曲折的旋律线也使情绪得到了进一步的放大和渲染。副歌后半段的英文歌词部分，熊光采用的手法与《Play A Love Song》的副歌部分相似，她把歌词的音节和鼓点捆绑在一起，使得节奏感更加强烈，而在“いつまでも”的部分，她又叠上一轨高3key的合声，再次垫高情绪的同时，也增添了音高的层次和人声的饱和感。副歌结束后，伴奏的余韵中又多了一个音色明亮的合成音，点亮了冷暗色调充盈的氛围，它伴随着熊光的哼唱渐低渐弱，在听感上给人回落的趋势，以便更加顺畅地衔接回到低音区的第二遍主歌，同时带着情绪一起沉下来。
第一遍完整的主副歌结构到此成型，可见这首歌在音区上的设计还是比较主流的处理方式。主歌旋律在低音区奠定情绪基调，预副歌旋律稍稍提到中音区，继续推动歌曲发展，副歌则定在中高音区，通过音高的波动强化情绪，也形成情绪的层次。
而在第二遍主歌中，伴奏里补上了之前没有的鼓点，弦乐部分整体升了1key，旋律线的基本走向没有变化，但能明显听到旋律线在逐渐下沉时在音高上有更多细腻的曲折；预副歌时弦乐同样变得舒缓悠长，但相比第一遍的单薄，这一遍的弦乐音量明显被拉高，有一种逐渐贴近的感觉；在第二遍副歌里，弦乐没有明显变化，只从02:46开始多了一轨与人声的旋律走向完全相同的弦乐和声，且在英文歌词的部分加入了之前没有的哼唱作为合声。这一遍主副歌段落中每一处的改动，都与前一遍产生了极其细微的差异对比，以熊光的水准，她不是不能把对比和层次做得更明显，可她选择了这种润物细无声的方式，让人听得到却不能轻易察觉到，这种不张扬不浮夸的精准的分寸感拿捏得实在厉害。
然后，最让人惊喜的桥段来了。这一段的画风突变杀了我们一个措手不及，弦乐骤停，节奏方面完全交给鼓点，旋律性的部分则交给人声与合成器键盘。熊光的演唱在咬字上每一句前紧后松，咬字时的拉长带了一点微微拖拍的感觉，期间她唱了三次Eb4-F4的滑音（03:29处她的长音还用了前面的办法又叠上一轨高3key的合声，不要以为我没发现），这种张弛有度的即兴感配合键盘自由多变的旋律散发出浓浓的爵士味。这股爵士味减弱了由弦乐和鼓点营造出的紧张感，也冲淡了情绪上浓郁的悲情气氛，利用曲调和风格上的变化调和了歌曲原有的冷调，是这首歌艺术价值上的核心，作为第二段落的收尾曲目，也为向下一个暖调段落过渡提前做好缓冲。
桥段后半段加入一轨不断拔高的弦乐，并在这轨弦乐急促上扬的短音中进入最后一段副歌，成为了最后高潮部分彰显情绪的主力。最后一遍副歌在层次上做到了最大化，鼓点、弦乐、电吉他、合成器应有尽有，人声在这个最后的高潮段落也有更细化的处理：演唱共鸣更加饱满更有力度，部分高音和长音有明显的拉长，更加凸显旋律的线条感，在一条条弦乐长音的照应之下，使得旋律与节奏最终势均力敌。而在这部分中，蓄力已久的弦乐正式大展身手，包括人声在内，所有音轨都在编曲相对较低的位置上，完全压盖不住在高位置上继续拔高的弦乐，而这轨弦乐第一个音就在非常高的Ab5上（熊光历史音域的最高音才只比这个高2key），还不断阶梯状地抬升直到F6，甚至在尾奏中翻过一整个八度最后到达Ab6，听感上非常过瘾却也更显得格外揪心，最大限度上地释放出这首歌压抑已久的悲伤情绪。与此同时，尾奏中的人声被熊光替换成了一段更有韵律感的即兴，且弦乐淡出后节奏感重新占据歌曲主导地位，既达成了第二段落中节奏感渐进增强的过渡，也完成了与下一首歌的节奏交接。
插曲 1 - あなた VS Forevermore
就我个人来讲，我会认为这两首歌是这张专辑中情绪色调最为鲜明的两首，虽然在流行派歌曲中是色调反差最大、冲突最剧烈的，但却又在许多角度上保持一致。
音乐性角度上来说，这两首歌的共性主要体现在强烈的节奏与优美的旋律被调和得势均力敌，配器规模宏大的编曲对人的听感有着极为丰富的刺激，而演唱时熊光的声线所表现出的细腻变化也清晰地反馈到了情绪上，其中复杂多变的转音和自由度极高的即兴这两大特色，更加凸显了这两首有着浓厚爵士味的歌曲中所蕴含的人情色彩。
而从歌曲内容的表达上来讲，这两首歌通过一热一冷两种表现形式传达了对挚爱之人的坚定信念以及由此而获得的归属感。不同的地方在于，《あなた》的暖调情绪所表达的爱意锁定在空间上，而冷调的《Forevermore》则是一目了然地体现在时间维度上。
《あなた》所表达的空间感，不是一个确切的地点，而是有“你”的地方，无论何处都可以，而“你”身边以外的一切地方都无法成为“我”的归所。它强调的是在现在的这个时间点，去祈求空间上的不变，从而延伸到未来，可以依靠的胸膛也好，彼此紧握的双手也好，与世隔绝的房间也好，只要在空间上与“你”仍有连结，就好。也正是这些美好的画面构成了这首歌肌肤相贴般的温度感，与这首歌的暖色调相性甚佳，也正是这般真挚的祈愿让这份归宿感成为了“不变的答案”。
《Forevermore》则抓住了时间线的流逝来展开，不论是今生还是来世，不论生命与情感终结与否，“我”的爱意永远都连接在“你”的身上。它从一个具有孤独感的人物形象出发，来表达爱意的无休无止，身边亲近之人来去远近，世间流行之物替换更迭，万事万物都会变化，但唯有这份爱意不曾淡去，在无尽的光阴中永远跟随着“你”。也正是形影相吊的苦楚使得这份孤独最终与这首歌的冷意相融，也正是彼此留下的无可替代的烙印，让这份几近偏执的爱成为了“永远不变”的心意。
熊光用两种不同的温度展现了两种爱，但无论是在空间还是在时间上，这份爱总是矢志不渝地指向某一个人。这种坚定无论何时何地都不会改变，这样强烈的心意让我感动，也让我敢继续相信这世间的爱。
PS.这两首歌的歌词中我最喜欢的一句是《あなた》中的“肌の匂いが変わってしまうよ”。不得不服她真的很会写，而且抓得特别精准。当沉浸在对一个人的爱意之中时，就连自己的主观感受都可以被轻易改变，与挚爱之人的亲密使得彼此肌肤的气味都会变得格外吸引人，这一点写得太细腻、太独到了。
就我个人来讲，我会认为这两首歌是这张专辑中情绪色调最为鲜明的两首，虽然在流行派歌曲中是色调反差最大、冲突最剧烈的，但却又在许多角度上保持一致。
音乐性角度上来说，这两首歌的共性主要体现在强烈的节奏与优美的旋律被调和得势均力敌，配器规模宏大的编曲对人的听感有着极为丰富的刺激，而演唱时熊光的声线所表现出的细腻变化也清晰地反馈到了情绪上，其中复杂多变的转音和自由度极高的即兴这两大特色，更加凸显了这两首有着浓厚爵士味的歌曲中所蕴含的人情色彩。
而从歌曲内容的表达上来讲，这两首歌通过一热一冷两种表现形式传达了对挚爱之人的坚定信念以及由此而获得的归属感。不同的地方在于，《あなた》的暖调情绪所表达的爱意锁定在空间上，而冷调的《Forevermore》则是一目了然地体现在时间维度上。
《あなた》所表达的空间感，不是一个确切的地点，而是有“你”的地方，无论何处都可以，而“你”身边以外的一切地方都无法成为“我”的归所。它强调的是在现在的这个时间点，去祈求空间上的不变，从而延伸到未来，可以依靠的胸膛也好，彼此紧握的双手也好，与世隔绝的房间也好，只要在空间上与“你”仍有连结，就好。也正是这些美好的画面构成了这首歌肌肤相贴般的温度感，与这首歌的暖色调相性甚佳，也正是这般真挚的祈愿让这份归宿感成为了“不变的答案”。
《Forevermore》则抓住了时间线的流逝来展开，不论是今生还是来世，不论生命与情感终结与否，“我”的爱意永远都连接在“你”的身上。它从一个具有孤独感的人物形象出发，来表达爱意的无休无止，身边亲近之人来去远近，世间流行之物替换更迭，万事万物都会变化，但唯有这份爱意不曾淡去，在无尽的光阴中永远跟随着“你”。也正是形影相吊的苦楚使得这份孤独最终与这首歌的冷意相融，也正是彼此留下的无可替代的烙印，让这份几近偏执的爱成为了“永远不变”的心意。
熊光用两种不同的温度展现了两种爱，但无论是在空间还是在时间上，这份爱总是矢志不渝地指向某一个人。这种坚定无论何时何地都不会改变，这样强烈的心意让我感动，也让我敢继续相信这世间的爱。
PS.这两首歌的歌词中我最喜欢的一句是《あなた》中的“肌の匂いが変わってしまうよ”。不得不服她真的很会写，而且抓得特别精准。当沉浸在对一个人的爱意之中时，就连自己的主观感受都可以被轻易改变，与挚爱之人的亲密使得彼此肌肤的气味都会变得格外吸引人，这一点写得太细腻、太独到了。
06 Too Proud featuring Jevon - 9分
从这里开始实验熊正式登场。这首歌在一个恰到好处的位置充当了这张专辑流行与实验的分界线，它的编曲是极具宇多田光个人特色的一个小高潮，也是过滤路人的第一道门槛。在流行派的五首歌曲结束后，这首歌的突然出现可以说是一个极大的惊喜，她仿佛在用这首歌告诉大家，那个勇于探索、富有灵气的熊光并没有消失，这首歌里正住着她古灵精怪、热爱实验的音乐人格。
从情绪色调上来说，这首歌接在《Forevermore》之后达到了冷色调的极致，但不断上扬略带轻佻感的旋律线也淡化了之前三首歌所累积下来的悲伤情绪，也可以说是一首向接下来的暖调歌曲过渡的曲目。电子氛围极重的编曲带来的亦是极重的冷调机械感，这种机械感反映出歌词所描绘的男女双方心灵上彼此隔绝的冷漠感和距离感，也是这首歌冷调的核心源泉。而这首歌的冷调气氛与强烈的节奏感相结合，尤其是配上副歌机械式的歌词重复时，更使得这首歌显现出类似舞曲的歌曲形态。
这首歌毋庸置疑是整专里节奏感最强的一首，按音色划分从头到尾穿插替换总共六轨节奏音，因此编曲在节奏上做出的层次感特别好。前奏一上来就有两轨合成音的组合，这两个节奏音色选得特别好，①其中一轨间隔稍长，有着略带颗粒感的声场，像摩托发动的噪音，②而另一轨更加密集显得马力十足，更加具有带动感，带着一丝玩世不恭的挑逗意味，这两轨合成音给歌曲在开端便定下了冷色的基调；③在主歌开始前熊光又叠上一轨合成器键盘，这一轨音色尖亮贯穿始终，是歌曲暖色调的重要组成部分，每次循环重复的最后总是从C5开始每个半音一级一直拉到E6（抬高了将近一个半八度），借由音高变化在整首歌里起到了把音乐情绪直接从低拉高的重要作用；④主歌开始后出现了第四轨位置极高的合成鼓点，同时①②③消失，这一轨音色轻薄，悬挂在人声上方，与人声对比形成编曲空间里高低位置上的平衡感；到了预副歌④消失，继而出现⑤第五轨效果器音色，以及⑥第六轨实录鼓点，这两轨节奏音与之前四轨干脆利落的点状合成音在音色上有所不同，⑤的效果器音色有着回声氛围和鼓动感，它的循环有节奏性但却是节奏感最弱的，用这一轨打底最能让人听出明显的差异化处理而且也可以为副歌的节奏变化做缓冲，而⑥的音色是我们最熟悉的电化鼓音，有实录的声场并且也加入了少许回声效果。
在所有的节奏音都出现过一次之后，进入副歌熊光开始了任性的组合，副歌部分是③+⑥，副歌之后的间奏变成了③+⑤，在吉他上线之后，熊光开始第二遍英文段落的念白，节奏音组合变成了④+⑥，Rap登场的时候又变成了⑤+⑥，注意一下这里要仔细听，以熊光插入的哼唱为节点（03:20处左右），在这之后⑤消失了，取而代之的则是一轨很弱的②被藏在了伴奏很深的位置，之后则越来越清晰，变成了②+⑥，最后一遍副歌，节奏又变回③+⑥，副歌结束后的尾奏中鼓点变成④+⑥。由于节奏感突出的特点，这首歌听起来非常“骨感”，它干净利落，而且在同样的段落熊光使用的节奏音组合也是相似的，不会出现凌乱嘈杂的听感，也使得段落结构与节奏音一同变化而更显清晰，同时每一段的节奏音色虽然不变，但节奏型上却也有细微的变化，偶尔配合上其他电子音色和效果的穿插，使这首主打节奏的歌曲没有变得枯燥。
这首歌的旋律性表现应该说是这张专辑里最弱的，前几首歌重旋律，更重音乐情绪，而接下来的几首歌虽然旋律表现相对鲜明，但编曲却是比较朴素的，所以这首分界线歌曲在这里把节奏感拉到最高点，把旋律性拉到最低点，通过转折使得前后过渡更加顺畅，有着非常强的功能性意义。而且这首歌在旋律上铺叠得也非常浅，除了人声只有钢琴偶尔出现，其他表现旋律的部分基本是靠节奏音色架构起来的，这其中很多的音因为与主旋律关系不大，所以逃出了调性限制而显得非常“调皮”，忽上忽下地跳动却也有各自的规律，这些天马行空的音符与主旋律一同前进构成了旋律上的巨大张力，大幅度的跨越也赋予了旋律自由感，而在这首歌里熊光的人声十分难得地表现出女性“婊气”和“色气”的那一面，更给这首歌增添了一分轻佻意味，也像是歌词里这段感情关系看起来“开放”和“随性”的表象。
这首歌的歌词所直接描绘的男女双方若即若离的微妙距离，亦是这首歌冷调感的表现，但若要追究其根源，得到的却是“人的内心自我其实十分脆弱”这一事实。说来说去，不过是自尊心作祟：因为自尊过高，所以害怕自恋的内向瓦解，所以宁可过度自我保护，也不要因为被拒绝而受到伤害。
这首歌的歌词是从男女两个角度来写的，伴奏中出现的英文歌词是这首歌中女方视角的坦诚独白，与之相对的便是Jevon的Rap，可以听出其实男女双方本是“同病相怜”，因为害怕被拒绝而自我封闭或者假装毫不在意，宁可从陌生人那里得到“一定可以被接纳”的身心慰藉，也不想在向对方索求时看到一丝犹豫。热恋本就是两个冲昏了头脑的灵魂用力彼此相融的过程，可等热恋一过，双方都会冷静下来，都会想要在维持住关系的状态下慢慢抽离一部分自我，来保证个体的独立，关系的重心也由彼此转向自己。
歌词中男女双方的感情正是到达了这样一个濒临破裂的节点上，他们意识到了问题却无法改变——他们渴望身心上的彼此接纳，却因为清楚自身的脆弱而不得不更加偏执地保护自己的尊严，只能傲娇地表现出“就当做无事发生过”而继续顺其自然——两个人甚至不约而同地想到只有最极端的结果才能挽回这段感情，可即便如此也没有人甘愿低头而率先踏出第一步。他们并非不忠，只是更忠于自己，他们只是怕放下自己的高傲便会让对方的自尊夺取了自己在这段关系中的地位，感情的天平不再平衡，挫败感恐怕让自己一蹶不振，最终失去了自我——说到底，这是个更爱对方还是更爱自己的问题，这或许也是滋生于所有都市爱情之中的毒瘤。
其实没必要害怕受伤，这世界上不存在不会彼此受伤的感情关系，在自己受伤之前先封闭自己，这样保护自尊的方式其实会更快更直接地伤害到对方，如果真的相爱，如果真的对这段爱情仍抱有希望，那就更应该坦诚相待，通过伤口向对方传递内心最鲜活的真实，只有这样在伤口愈合后，两个人才会更加贴近。
从这里开始实验熊正式登场。这首歌在一个恰到好处的位置充当了这张专辑流行与实验的分界线，它的编曲是极具宇多田光个人特色的一个小高潮，也是过滤路人的第一道门槛。在流行派的五首歌曲结束后，这首歌的突然出现可以说是一个极大的惊喜，她仿佛在用这首歌告诉大家，那个勇于探索、富有灵气的熊光并没有消失，这首歌里正住着她古灵精怪、热爱实验的音乐人格。
从情绪色调上来说，这首歌接在《Forevermore》之后达到了冷色调的极致，但不断上扬略带轻佻感的旋律线也淡化了之前三首歌所累积下来的悲伤情绪，也可以说是一首向接下来的暖调歌曲过渡的曲目。电子氛围极重的编曲带来的亦是极重的冷调机械感，这种机械感反映出歌词所描绘的男女双方心灵上彼此隔绝的冷漠感和距离感，也是这首歌冷调的核心源泉。而这首歌的冷调气氛与强烈的节奏感相结合，尤其是配上副歌机械式的歌词重复时，更使得这首歌显现出类似舞曲的歌曲形态。
这首歌毋庸置疑是整专里节奏感最强的一首，按音色划分从头到尾穿插替换总共六轨节奏音，因此编曲在节奏上做出的层次感特别好。前奏一上来就有两轨合成音的组合，这两个节奏音色选得特别好，①其中一轨间隔稍长，有着略带颗粒感的声场，像摩托发动的噪音，②而另一轨更加密集显得马力十足，更加具有带动感，带着一丝玩世不恭的挑逗意味，这两轨合成音给歌曲在开端便定下了冷色的基调；③在主歌开始前熊光又叠上一轨合成器键盘，这一轨音色尖亮贯穿始终，是歌曲暖色调的重要组成部分，每次循环重复的最后总是从C5开始每个半音一级一直拉到E6（抬高了将近一个半八度），借由音高变化在整首歌里起到了把音乐情绪直接从低拉高的重要作用；④主歌开始后出现了第四轨位置极高的合成鼓点，同时①②③消失，这一轨音色轻薄，悬挂在人声上方，与人声对比形成编曲空间里高低位置上的平衡感；到了预副歌④消失，继而出现⑤第五轨效果器音色，以及⑥第六轨实录鼓点，这两轨节奏音与之前四轨干脆利落的点状合成音在音色上有所不同，⑤的效果器音色有着回声氛围和鼓动感，它的循环有节奏性但却是节奏感最弱的，用这一轨打底最能让人听出明显的差异化处理而且也可以为副歌的节奏变化做缓冲，而⑥的音色是我们最熟悉的电化鼓音，有实录的声场并且也加入了少许回声效果。
在所有的节奏音都出现过一次之后，进入副歌熊光开始了任性的组合，副歌部分是③+⑥，副歌之后的间奏变成了③+⑤，在吉他上线之后，熊光开始第二遍英文段落的念白，节奏音组合变成了④+⑥，Rap登场的时候又变成了⑤+⑥，注意一下这里要仔细听，以熊光插入的哼唱为节点（03:20处左右），在这之后⑤消失了，取而代之的则是一轨很弱的②被藏在了伴奏很深的位置，之后则越来越清晰，变成了②+⑥，最后一遍副歌，节奏又变回③+⑥，副歌结束后的尾奏中鼓点变成④+⑥。由于节奏感突出的特点，这首歌听起来非常“骨感”，它干净利落，而且在同样的段落熊光使用的节奏音组合也是相似的，不会出现凌乱嘈杂的听感，也使得段落结构与节奏音一同变化而更显清晰，同时每一段的节奏音色虽然不变，但节奏型上却也有细微的变化，偶尔配合上其他电子音色和效果的穿插，使这首主打节奏的歌曲没有变得枯燥。
这首歌的旋律性表现应该说是这张专辑里最弱的，前几首歌重旋律，更重音乐情绪，而接下来的几首歌虽然旋律表现相对鲜明，但编曲却是比较朴素的，所以这首分界线歌曲在这里把节奏感拉到最高点，把旋律性拉到最低点，通过转折使得前后过渡更加顺畅，有着非常强的功能性意义。而且这首歌在旋律上铺叠得也非常浅，除了人声只有钢琴偶尔出现，其他表现旋律的部分基本是靠节奏音色架构起来的，这其中很多的音因为与主旋律关系不大，所以逃出了调性限制而显得非常“调皮”，忽上忽下地跳动却也有各自的规律，这些天马行空的音符与主旋律一同前进构成了旋律上的巨大张力，大幅度的跨越也赋予了旋律自由感，而在这首歌里熊光的人声十分难得地表现出女性“婊气”和“色气”的那一面，更给这首歌增添了一分轻佻意味，也像是歌词里这段感情关系看起来“开放”和“随性”的表象。
这首歌的歌词所直接描绘的男女双方若即若离的微妙距离，亦是这首歌冷调感的表现，但若要追究其根源，得到的却是“人的内心自我其实十分脆弱”这一事实。说来说去，不过是自尊心作祟：因为自尊过高，所以害怕自恋的内向瓦解，所以宁可过度自我保护，也不要因为被拒绝而受到伤害。
这首歌的歌词是从男女两个角度来写的，伴奏中出现的英文歌词是这首歌中女方视角的坦诚独白，与之相对的便是Jevon的Rap，可以听出其实男女双方本是“同病相怜”，因为害怕被拒绝而自我封闭或者假装毫不在意，宁可从陌生人那里得到“一定可以被接纳”的身心慰藉，也不想在向对方索求时看到一丝犹豫。热恋本就是两个冲昏了头脑的灵魂用力彼此相融的过程，可等热恋一过，双方都会冷静下来，都会想要在维持住关系的状态下慢慢抽离一部分自我，来保证个体的独立，关系的重心也由彼此转向自己。
歌词中男女双方的感情正是到达了这样一个濒临破裂的节点上，他们意识到了问题却无法改变——他们渴望身心上的彼此接纳，却因为清楚自身的脆弱而不得不更加偏执地保护自己的尊严，只能傲娇地表现出“就当做无事发生过”而继续顺其自然——两个人甚至不约而同地想到只有最极端的结果才能挽回这段感情，可即便如此也没有人甘愿低头而率先踏出第一步。他们并非不忠，只是更忠于自己，他们只是怕放下自己的高傲便会让对方的自尊夺取了自己在这段关系中的地位，感情的天平不再平衡，挫败感恐怕让自己一蹶不振，最终失去了自我——说到底，这是个更爱对方还是更爱自己的问题，这或许也是滋生于所有都市爱情之中的毒瘤。
其实没必要害怕受伤，这世界上不存在不会彼此受伤的感情关系，在自己受伤之前先封闭自己，这样保护自尊的方式其实会更快更直接地伤害到对方，如果真的相爱，如果真的对这段爱情仍抱有希望，那就更应该坦诚相待，通过伤口向对方传递内心最鲜活的真实，只有这样在伤口愈合后，两个人才会更加贴近。
07 Good Night - 8.5分
这首歌是本专最美旋律线所在——当然，旋律的审美是一个相对主观的因素，所以这只是个人看法，但无可争议的是，就如同这个段落的特色一般，旋律是这首歌的核心。这首歌的旋律简明轻快，流畅悦耳，音域跨度很大（Ab3-Gb5，快要有两个八度了，只比《Blue》的音域少2key），尤其是到了副歌，旋律上有较大音程的跳跃，表现出极高的自由度。
前奏的旋律让人倍感宁静舒适，钢琴与电吉他的组合更是如夏日海风般清爽。主歌中我们再次听到了熟悉的R&B节奏型，这种轻快感很好地完成了与上一首歌在节奏感上的对接。每句最后在Ab4上拖长接上一个降1key的短音和一个再讲1key的颤音，使旋律透出一股慵懒自由的爵士味，更值得细细品味的是每句开始前的“啊~”，是一个小转音后降2key到A3，这样一个简单却细致的调整让处在中低音区的主歌旋律听起来不至于太死板沉闷，又使得接下来的一整句都韵味十足。主歌音域从A3-B4约一个八度结束后，到了预副歌的部分，旋律起伏便不像主副歌那么大了，预副歌中的长音基本都固定在A4，只有倒数第二句高了1key到Bb4、倒数第一句再高1key到B4，这样的平稳使之与前后相连的主歌和副歌都能形成鲜明对比，最后两个小长音的升key更可以为接下来副歌中更大幅的升key做好铺垫。到副歌时伴奏突然安静了下来，只剩电吉他作为节奏音以便完全凸显出熊光轻柔圆滑的高音音质。这里的上行旋律美到让人想跟着音符一同飞起来，第一个“Good”从E4滑过一整个八度直接飘到E5，她很清楚这种不断上行的旋律线正戳人的听觉G点，只不过这才是第一段副歌，在音高的维度上还需要做出更多的层次感，所以她选择了在副歌的后半段添上伴奏中应有的其他配器，先将编曲的层次做好。
这之后便是第二遍主歌和预副歌，第二遍的预副歌中加入了一轨位置很高的弦乐，且是不断起伏循环的旋律走向，这样既与主旋律拉开了音高差距，使得预副歌部分的旋律更加丰富多变，又从层次感上与第一遍的预副歌形成了差异对比。随后，这首歌的重头戏来了，第二遍的副歌登场时，伴奏再次下线，这一次的副歌在音高上比第一遍更加层次分明，且能明显感觉到熊光有一种正在蓄力的感觉，值得细细分析：第一遍，旋律线从Gb4开始，升到E5后降到Db5-A4最后到F4收尾；第二遍，从E4开始（比第一遍低2key），升到E5后降到Db5-A4再微微抬到B4，又跟上一段微弱的B4-Db5的小长音；第三遍，钢琴回归，旋律从Db4开始（比第二遍低3key），升到E5后一个转音继续翻到最高音Gb5（比前两遍最高音高2key），之后降到Db5-A4最后到Gb4（回到这遍副歌最初始的音）。这三遍“Good”通过第一个音逐次降低来拉大起始音与最高音间的音程，使得这几段类似的上行旋律具有逐渐增大的张力，且每一句的最后A4都接着不同的音，这样微小的改变使句尾的旋律走向不仅形成差异有新鲜感，还在下沉与抬升的变化中产生旋律前进的推动力。接下来的一个B4长音后，完整的副歌便来了，“Good”部分与第一遍副歌相同，是E4-E5-A4-Gb4的走向，而到“Bye”时插入了一个电吉他的渐弱长音，在微弱的躁动感中开启了这首歌的高潮，此时伴奏再次上线，还加入了一轨上扬的弦乐，带着畅快的情绪不断反复地冲向高点，旋律虽与之前相同，但这里熊光使用的轻混声和假声略微加强了力感，在B4和Db5的两个时常有长音表现的点都有不错的发挥，给如波浪般反复起伏的旋律线增添了稳定感和饱满感，也完成了这首歌的编曲从单薄到厚实的层次变化。
把各位绕迷糊了之后，便可以感性地谈谈这个旋律了。第一次听到试听的时候脑海中都是澄澈的水流和清爽的微风，总之是可以表现纯净与流畅的意象，而在听多几遍之后，我的脑海中开始浮现出纸飞机在空中滑翔的景象——被投出的纸飞机飞向了高处，那轨迹就像这首歌的旋律线，在快要落下的时候被风轻轻抬起又飞了上去，在空中不断地画出波浪般的线条，最终它越飞越高，高过了低矮的楼房和树木，到最后一段副歌时，视角转换到了纸飞机上，它冲出了由房屋围绕构成的束缚，眼前尽是一片豁然开朗的广阔城市的景色。
而到了这里，也就是歌曲大概03:58的位置，熊光的哼唱结束的瞬间，很多人都以为这首歌到此为止，且我想很多音乐人可能也会选择在这里结束，可她却又加了一段Ending。其实说实话这首歌已经非常完整了，它的旋律令歌曲充满了温暖惬意的畅快，把自己放空去享受音乐，听到这里就会有一种漂浮在高空之中的释放感。熊光本可以让我们就停留在这个情绪里，但她并没有这么做，因为纸飞机飞上天空最终总会落地，尽情的释放过后也该有始有终地回到踏实的原点，她在Ending中写的最后几句旋律皆是十分平稳安定的走向，足以收束起先前所有张扬的情绪，同时亦能够更好地去迎接下一首歌。
这无关歌曲创作能力的高低，抑或编曲手法的优劣，这短短几句Ending体现的是熊光作为一个音乐制作人在编曲上的意识高度，也正是这种音乐人格上的含蓄内敛与对待艺术时恰如其分的克制力，深深地折服了我。
这首歌是本专最美旋律线所在——当然，旋律的审美是一个相对主观的因素，所以这只是个人看法，但无可争议的是，就如同这个段落的特色一般，旋律是这首歌的核心。这首歌的旋律简明轻快，流畅悦耳，音域跨度很大（Ab3-Gb5，快要有两个八度了，只比《Blue》的音域少2key），尤其是到了副歌，旋律上有较大音程的跳跃，表现出极高的自由度。
前奏的旋律让人倍感宁静舒适，钢琴与电吉他的组合更是如夏日海风般清爽。主歌中我们再次听到了熟悉的R&B节奏型，这种轻快感很好地完成了与上一首歌在节奏感上的对接。每句最后在Ab4上拖长接上一个降1key的短音和一个再讲1key的颤音，使旋律透出一股慵懒自由的爵士味，更值得细细品味的是每句开始前的“啊~”，是一个小转音后降2key到A3，这样一个简单却细致的调整让处在中低音区的主歌旋律听起来不至于太死板沉闷，又使得接下来的一整句都韵味十足。主歌音域从A3-B4约一个八度结束后，到了预副歌的部分，旋律起伏便不像主副歌那么大了，预副歌中的长音基本都固定在A4，只有倒数第二句高了1key到Bb4、倒数第一句再高1key到B4，这样的平稳使之与前后相连的主歌和副歌都能形成鲜明对比，最后两个小长音的升key更可以为接下来副歌中更大幅的升key做好铺垫。到副歌时伴奏突然安静了下来，只剩电吉他作为节奏音以便完全凸显出熊光轻柔圆滑的高音音质。这里的上行旋律美到让人想跟着音符一同飞起来，第一个“Good”从E4滑过一整个八度直接飘到E5，她很清楚这种不断上行的旋律线正戳人的听觉G点，只不过这才是第一段副歌，在音高的维度上还需要做出更多的层次感，所以她选择了在副歌的后半段添上伴奏中应有的其他配器，先将编曲的层次做好。
这之后便是第二遍主歌和预副歌，第二遍的预副歌中加入了一轨位置很高的弦乐，且是不断起伏循环的旋律走向，这样既与主旋律拉开了音高差距，使得预副歌部分的旋律更加丰富多变，又从层次感上与第一遍的预副歌形成了差异对比。随后，这首歌的重头戏来了，第二遍的副歌登场时，伴奏再次下线，这一次的副歌在音高上比第一遍更加层次分明，且能明显感觉到熊光有一种正在蓄力的感觉，值得细细分析：第一遍，旋律线从Gb4开始，升到E5后降到Db5-A4最后到F4收尾；第二遍，从E4开始（比第一遍低2key），升到E5后降到Db5-A4再微微抬到B4，又跟上一段微弱的B4-Db5的小长音；第三遍，钢琴回归，旋律从Db4开始（比第二遍低3key），升到E5后一个转音继续翻到最高音Gb5（比前两遍最高音高2key），之后降到Db5-A4最后到Gb4（回到这遍副歌最初始的音）。这三遍“Good”通过第一个音逐次降低来拉大起始音与最高音间的音程，使得这几段类似的上行旋律具有逐渐增大的张力，且每一句的最后A4都接着不同的音，这样微小的改变使句尾的旋律走向不仅形成差异有新鲜感，还在下沉与抬升的变化中产生旋律前进的推动力。接下来的一个B4长音后，完整的副歌便来了，“Good”部分与第一遍副歌相同，是E4-E5-A4-Gb4的走向，而到“Bye”时插入了一个电吉他的渐弱长音，在微弱的躁动感中开启了这首歌的高潮，此时伴奏再次上线，还加入了一轨上扬的弦乐，带着畅快的情绪不断反复地冲向高点，旋律虽与之前相同，但这里熊光使用的轻混声和假声略微加强了力感，在B4和Db5的两个时常有长音表现的点都有不错的发挥，给如波浪般反复起伏的旋律线增添了稳定感和饱满感，也完成了这首歌的编曲从单薄到厚实的层次变化。
把各位绕迷糊了之后，便可以感性地谈谈这个旋律了。第一次听到试听的时候脑海中都是澄澈的水流和清爽的微风，总之是可以表现纯净与流畅的意象，而在听多几遍之后，我的脑海中开始浮现出纸飞机在空中滑翔的景象——被投出的纸飞机飞向了高处，那轨迹就像这首歌的旋律线，在快要落下的时候被风轻轻抬起又飞了上去，在空中不断地画出波浪般的线条，最终它越飞越高，高过了低矮的楼房和树木，到最后一段副歌时，视角转换到了纸飞机上，它冲出了由房屋围绕构成的束缚，眼前尽是一片豁然开朗的广阔城市的景色。
而到了这里，也就是歌曲大概03:58的位置，熊光的哼唱结束的瞬间，很多人都以为这首歌到此为止，且我想很多音乐人可能也会选择在这里结束，可她却又加了一段Ending。其实说实话这首歌已经非常完整了，它的旋律令歌曲充满了温暖惬意的畅快，把自己放空去享受音乐，听到这里就会有一种漂浮在高空之中的释放感。熊光本可以让我们就停留在这个情绪里，但她并没有这么做，因为纸飞机飞上天空最终总会落地，尽情的释放过后也该有始有终地回到踏实的原点，她在Ending中写的最后几句旋律皆是十分平稳安定的走向，足以收束起先前所有张扬的情绪，同时亦能够更好地去迎接下一首歌。
这无关歌曲创作能力的高低，抑或编曲手法的优劣，这短短几句Ending体现的是熊光作为一个音乐制作人在编曲上的意识高度，也正是这种音乐人格上的含蓄内敛与对待艺术时恰如其分的克制力，深深地折服了我。
08 パクチーの唄 - 7分
这首歌是这张专辑里我个人评分较低的一首，毕竟是本专编曲最简单的一首，但这首歌有它的独特之处。专辑中其他歌曲说的都是与他人的“恋”，宽泛些说即是与他人的关系性，而这首歌写的却是对香菜这种微妙的……蔬菜的喜爱。
歌曲开始是一段不断加速的合成音，有一种从静谧之中被慢慢唤醒的感觉。歌曲正是开始前的这句“这是什么？这是香菜呀！”突然窜出来吓人一跳，熊光的口吻语调更是调皮，让人相信这的确是一首幼齿向作品。这首歌的旋律说不上是最好，但是却如熊光的声线一般十分温柔顺畅，和声更是暖意十足——十足的小袋成彬味。编曲上虽然简单，但也正是因为简单，配器层层递加的层次感才显得格外清晰，一开始的副歌只有吉他，主歌旋律沉下来，使音区较高的副歌情绪可以踏实下来，预副歌开始加入钢琴和合成音，突然就有了炎热夏夜中在屋外乘凉的画面感。第二遍副歌时鼓点也加了进来，钢琴和声也有了新的旋律，饱满的低音音色从左声道缓缓流出，而第二遍主歌的时候钢琴的音色更加清晰，钢琴这一轨的层次到此算是做满了，第二遍的预副歌可以说是这首歌编曲的关键环节，熊光哼唱的部分时暖调色彩最浓厚的管乐也登场了，钢琴在这里黯淡下去，为管乐让位使管乐的嘹亮音色有了更加出色的表现力，此外还加了一轨新的鼓点，把这首歌的节奏感也激发出来。最后一遍副歌与第二遍副歌差别不大，熊光悄悄藏了一轨人声的合声在主旋律后，为这一段伴奏增加了少许厚度，快要结束时，先前已经铺垫好的管乐再次出现，这一轨管乐的和声用得真好，从低处一路爬高，然后高低曲折地前行，在管乐嘹亮音色的烘托之下，这首歌立刻就获得了之前所没有的恢弘感和力量感，其中的暖调意味也被管乐放大，在最后这个小小的华彩部分，情绪也被推向了高潮，达成了音乐和情感的最终融合。
在这首歌中我们听到了熊光单纯可爱的一面，她竟特意为自己喜欢的调味料写了一首歌，但听过几遍之后我对这首歌极度饱满的暖色氛围产生了疑问，我觉得这首歌想表达的没有这么简单，于是我便有了自己的一种理解，如果不认同当然也可以看作是我个人的过度解读。
我认为这首歌唱出的是对“异类”的共情。可能我们都是小小的香菜，各自有着自己的特质，有些特质使我们变得与多数人不同，于是只能被少数人或是身边人接纳，却无法被更多人认同。我们过着自己的人生，却时常听到质疑的声音，有时想要做自己可又害怕旁人的议论——“你怎么这么多愁善感啊，真是矫情”“一点小事就哭，你还有没有出息”“别人都会怎么就你不会，太没用了”“你竟然喜欢男生/女生，好恶心”。
这世界上本来就有形形色色的人，每个人都有自己的与众不同，也有各自的优点与不足，这才使灵魂和灵魂之间得以区分。可能我们终究没法被所有人喜欢，但要记得我们还有只属于自己的美好，总会有人喜欢本来的我们。就像熊光唱的，即便被人说坏话，也不要暗自伤感，总有人会对于这样的我们怎么都讨厌不起来，人生中类似的阻碍和困扰从来不会消失，但这对于我们的成长来说也是十分重要的。每每听到熊光在这首歌中的温暖歌声，我总能感受到无限的包容感，让我可以去相信，这世界上还有人喜欢着这样敏感脆弱胆小的我，让我想要成为一个更加真诚温柔的人。熊光的歌声里有理解，有治愈，伴随着尾奏中的管乐，不禁让人油然而生一股自豪感，让人想要更加勇敢地成为更好的自己，因为不论未来还有什么在等待，转过身都还有她的歌声像一个温暖的拥抱足以疗伤。
希望看到这里的每个人，无论遇到什么难过的事情，回到房间大哭一场之后，吃得饱饱的，听一听熊光的歌声，然后再元气满满地去变得更坚强，成为一颗更可爱的香菜。
这首歌是这张专辑里我个人评分较低的一首，毕竟是本专编曲最简单的一首，但这首歌有它的独特之处。专辑中其他歌曲说的都是与他人的“恋”，宽泛些说即是与他人的关系性，而这首歌写的却是对香菜这种微妙的……蔬菜的喜爱。
歌曲开始是一段不断加速的合成音，有一种从静谧之中被慢慢唤醒的感觉。歌曲正是开始前的这句“这是什么？这是香菜呀！”突然窜出来吓人一跳，熊光的口吻语调更是调皮，让人相信这的确是一首幼齿向作品。这首歌的旋律说不上是最好，但是却如熊光的声线一般十分温柔顺畅，和声更是暖意十足——十足的小袋成彬味。编曲上虽然简单，但也正是因为简单，配器层层递加的层次感才显得格外清晰，一开始的副歌只有吉他，主歌旋律沉下来，使音区较高的副歌情绪可以踏实下来，预副歌开始加入钢琴和合成音，突然就有了炎热夏夜中在屋外乘凉的画面感。第二遍副歌时鼓点也加了进来，钢琴和声也有了新的旋律，饱满的低音音色从左声道缓缓流出，而第二遍主歌的时候钢琴的音色更加清晰，钢琴这一轨的层次到此算是做满了，第二遍的预副歌可以说是这首歌编曲的关键环节，熊光哼唱的部分时暖调色彩最浓厚的管乐也登场了，钢琴在这里黯淡下去，为管乐让位使管乐的嘹亮音色有了更加出色的表现力，此外还加了一轨新的鼓点，把这首歌的节奏感也激发出来。最后一遍副歌与第二遍副歌差别不大，熊光悄悄藏了一轨人声的合声在主旋律后，为这一段伴奏增加了少许厚度，快要结束时，先前已经铺垫好的管乐再次出现，这一轨管乐的和声用得真好，从低处一路爬高，然后高低曲折地前行，在管乐嘹亮音色的烘托之下，这首歌立刻就获得了之前所没有的恢弘感和力量感，其中的暖调意味也被管乐放大，在最后这个小小的华彩部分，情绪也被推向了高潮，达成了音乐和情感的最终融合。
在这首歌中我们听到了熊光单纯可爱的一面，她竟特意为自己喜欢的调味料写了一首歌，但听过几遍之后我对这首歌极度饱满的暖色氛围产生了疑问，我觉得这首歌想表达的没有这么简单，于是我便有了自己的一种理解，如果不认同当然也可以看作是我个人的过度解读。
我认为这首歌唱出的是对“异类”的共情。可能我们都是小小的香菜，各自有着自己的特质，有些特质使我们变得与多数人不同，于是只能被少数人或是身边人接纳，却无法被更多人认同。我们过着自己的人生，却时常听到质疑的声音，有时想要做自己可又害怕旁人的议论——“你怎么这么多愁善感啊，真是矫情”“一点小事就哭，你还有没有出息”“别人都会怎么就你不会，太没用了”“你竟然喜欢男生/女生，好恶心”。
这世界上本来就有形形色色的人，每个人都有自己的与众不同，也有各自的优点与不足，这才使灵魂和灵魂之间得以区分。可能我们终究没法被所有人喜欢，但要记得我们还有只属于自己的美好，总会有人喜欢本来的我们。就像熊光唱的，即便被人说坏话，也不要暗自伤感，总有人会对于这样的我们怎么都讨厌不起来，人生中类似的阻碍和困扰从来不会消失，但这对于我们的成长来说也是十分重要的。每每听到熊光在这首歌中的温暖歌声，我总能感受到无限的包容感，让我可以去相信，这世界上还有人喜欢着这样敏感脆弱胆小的我，让我想要成为一个更加真诚温柔的人。熊光的歌声里有理解，有治愈，伴随着尾奏中的管乐，不禁让人油然而生一股自豪感，让人想要更加勇敢地成为更好的自己，因为不论未来还有什么在等待，转过身都还有她的歌声像一个温暖的拥抱足以疗伤。
希望看到这里的每个人，无论遇到什么难过的事情，回到房间大哭一场之后，吃得饱饱的，听一听熊光的歌声，然后再元气满满地去变得更坚强，成为一颗更可爱的香菜。
09 残り香 - 8分
我个人非常喜欢这首歌的氛围，经过上一首歌的管乐铺垫，这首歌的暖调氛围便更加浓厚了。从《Good Night》开始能听出这种暖意是逐渐沉淀下来的，《Good Night》中的暖色调是活泼的无拘无束的，《パクチーの唄》的暖是安宁静谧有包容感的，而这首歌则把这种暖进一步放大，把明确的感受扩散成暧昧的气氛，在情绪沉下来的同时也可以更自然地承接后来的冷色调段落。
前奏开始就响起的管风琴一上来就给歌曲氛围定了调，营造出如同置身教堂中一般庄严的虔诚感，用一个核心乐器来形成并维持歌曲的整体基调，这一点也很像《人魚》的编曲手法。这个乐器真的很神奇，只需要一点点动力就可以释放出巨大的能量，这股能量层层环绕，把歌曲中的苦情气氛散播到每个角落。在这首配置朴素的歌曲中，情绪完全靠管风琴的发声特色弥漫开来，副歌后半段开始加入的充满气感的效果器像风一样，穿梭在一条条音轨之间，两者配合构成立体的回声感，再加上桥段之后的副歌中加入的一轨合成器和声，也使得编曲上形成了细腻的层次。熊光的唱腔在这首歌里亦有着特别的表现，主歌部分低沉醇厚，进入副歌她的音色顺畅地滑到高音区，从低到高，从实到虚，她的声音在反差和渐变中转换自如，给人介于现实和梦境之间的微醺感，而思念的情绪也随之在这首歌里往复地高低起伏。
看过歌词便知道这首歌说的是分别之后的想念。曾经最亲密的人离开了，思念成疾时唯有借酒消愁，而酒后残留的余香和记忆里与那个人共饮的醉意，便是这首歌的气味。它不禁让我想到那句“最后的吻带着淡淡烟草香味”，这一句是《First Love》后续所有抒情内容的引子，而在这首歌里这股残香借由管风琴的声场效果充盈了整个空间，它散发的气味是在微醺之中回首往事的怀念，是从记忆的画面中看到的熟悉身影。以“残り香と私の部屋で 温かいあなたの 肩を探す”这句歌词作为具象的附着点，情绪由此发散，在酣醉的临界点上寻找着那个曾给过自己依靠的肩膀，又在身心空虚的清醒中品尝着内心无依无靠的缺失。在半醉半醒之间，思念无处依附，是这股残香缥缈的实体，而这股香气弥散而成的虔诚气氛，又给这份思念增添了一份柔情的真挚感。
这首歌写尽思念之苦，也写尽这份苦情的深切，却句句充满了回忆往事的画面感，而这亦是这首歌的另一个特别之处。熊光用管风琴烘托出一个虔诚温暖的气氛，却用来演唱悲伤的感情；唱着思念情深的歌词，却让人想象到美好回忆的画面。这种悲喜相融的写法是很妙的，她不用悲伤的氛围唱悲伤的情绪，而是在暖调的音色中唱出伤感的内容，这样避免了过度悲伤容易带来的廉价感，也使得她想表达的悲伤有了更多元更丰富的层次。
我个人非常喜欢这首歌的氛围，经过上一首歌的管乐铺垫，这首歌的暖调氛围便更加浓厚了。从《Good Night》开始能听出这种暖意是逐渐沉淀下来的，《Good Night》中的暖色调是活泼的无拘无束的，《パクチーの唄》的暖是安宁静谧有包容感的，而这首歌则把这种暖进一步放大，把明确的感受扩散成暧昧的气氛，在情绪沉下来的同时也可以更自然地承接后来的冷色调段落。
前奏开始就响起的管风琴一上来就给歌曲氛围定了调，营造出如同置身教堂中一般庄严的虔诚感，用一个核心乐器来形成并维持歌曲的整体基调，这一点也很像《人魚》的编曲手法。这个乐器真的很神奇，只需要一点点动力就可以释放出巨大的能量，这股能量层层环绕，把歌曲中的苦情气氛散播到每个角落。在这首配置朴素的歌曲中，情绪完全靠管风琴的发声特色弥漫开来，副歌后半段开始加入的充满气感的效果器像风一样，穿梭在一条条音轨之间，两者配合构成立体的回声感，再加上桥段之后的副歌中加入的一轨合成器和声，也使得编曲上形成了细腻的层次。熊光的唱腔在这首歌里亦有着特别的表现，主歌部分低沉醇厚，进入副歌她的音色顺畅地滑到高音区，从低到高，从实到虚，她的声音在反差和渐变中转换自如，给人介于现实和梦境之间的微醺感，而思念的情绪也随之在这首歌里往复地高低起伏。
看过歌词便知道这首歌说的是分别之后的想念。曾经最亲密的人离开了，思念成疾时唯有借酒消愁，而酒后残留的余香和记忆里与那个人共饮的醉意，便是这首歌的气味。它不禁让我想到那句“最后的吻带着淡淡烟草香味”，这一句是《First Love》后续所有抒情内容的引子，而在这首歌里这股残香借由管风琴的声场效果充盈了整个空间，它散发的气味是在微醺之中回首往事的怀念，是从记忆的画面中看到的熟悉身影。以“残り香と私の部屋で 温かいあなたの 肩を探す”这句歌词作为具象的附着点，情绪由此发散，在酣醉的临界点上寻找着那个曾给过自己依靠的肩膀，又在身心空虚的清醒中品尝着内心无依无靠的缺失。在半醉半醒之间，思念无处依附，是这股残香缥缈的实体，而这股香气弥散而成的虔诚气氛，又给这份思念增添了一份柔情的真挚感。
这首歌写尽思念之苦，也写尽这份苦情的深切，却句句充满了回忆往事的画面感，而这亦是这首歌的另一个特别之处。熊光用管风琴烘托出一个虔诚温暖的气氛，却用来演唱悲伤的感情；唱着思念情深的歌词，却让人想象到美好回忆的画面。这种悲喜相融的写法是很妙的，她不用悲伤的氛围唱悲伤的情绪，而是在暖调的音色中唱出伤感的内容，这样避免了过度悲伤容易带来的廉价感，也使得她想表达的悲伤有了更多元更丰富的层次。
10 大空で抱きしめて - 8.5分
本专最被低估的一首歌，实则实验派歌曲中的一匹黑马，作为最早被人听烂的先行曲，即便与来势汹汹且卧虎藏龙的专辑曲军团相比也不落下风。
我不得不说，这首歌实在精彩。起初我只觉得它普通，后来又感觉有些怪异，假以时日再回来听，突然间理解了它的出色和与众不同。这首歌在编曲意识上体现出的高级感是这张专辑里其他歌曲所没有的，逐级爬升的编曲层次，有意境有画面的高潮铺垫，再结合前两者引发意想不到的情绪走向和意境转折。
曾听人说音乐是时间的艺术，它随着时间的推进而发展，并在这个维度上逐渐地自我填充最终展现其完整的形态。我认为在这个基础之上要说的是，音乐本身不表达具象的内容（此处不谈及歌词对歌曲内容的扩充和完善），音乐直接表现的是情绪及其程度（强、弱，浓、淡），以此形成具有温度和色彩的感受，并在听者脑海中结合意识经验产生因人而异的画面和意境。所以我觉得，音乐表达的情绪能够随着时间产生不同的变化，相应地延伸出不同的感受，并借由编曲使之流畅有层次，这样的音乐才可以称为高级的音乐。而这一类的音乐在表达上应该突出一个“变”字，要么有情绪的变化，要么有情绪程度的变化，音乐才更加丰满，才足够耐听。这首歌就是一个很好的例子，熊光用流行作为一个引子将这首歌做成一个最终偏离主流的音乐，这首歌里她所做的不是增加新元素之类的表面功夫，而是从音乐的深层部位去把控整体来改变这首歌的流行性质。
这首歌起始的几个段落听起来只是一首小品式的流行曲，主歌的节奏还算抓人，电吉他简单的和声构成一直在循环，后来依次加入多轨鼓点形成节奏层次，到此为止还是欢快又活泼的气氛，感觉像是从《Good Night》继承延续而来的清爽感；预副歌部分加入的弦乐非常弱，与伴奏的合声形成缥缈空旷的空间感，而此时气氛就已经有点凝固了，只是节奏音还在，仿佛要努力将其搅散开来；副歌时熊光的混声增加了力度，旋律的音区虽然高，但声线却更扎实了，副歌的后半段音乐加入的弦乐伏在人声之下，低沉的感觉在继续把这首歌的情绪缠紧并不断往下拽。
第二遍主副歌结构与先前并没有太大差别，唯一不同的是这一遍主歌弦乐加得不少，这些弦乐的走向有的下沉有的上扬，还有的围绕着主旋律同时进行，为歌曲最后大量弦乐的使用埋下伏笔；副歌前半段变化亦不大，但听到这里会发现，先前电吉他和鼓点带来的轻快感已经被弦乐冲淡了不少，到了副歌后半段，这首歌最重要的弦乐轨悄悄出现了，这一轨弦乐的旋律高低跨度极大，有着变化十分剧烈的走向，构成了紧张情绪上的冲突感；副歌主旋律结束的时候，电吉他也退场了，只剩下弦乐和鼓点，这时才发觉一直都有的鼓点原来是为这段弦乐服务的，它的厚重与扎实加剧了弦乐的紧张感，等听到熊光哼唱响起的时候，才为时已晚地意识到，这首歌在刚才那段副歌中已然脱胎换骨。
熊光这里的哼唱重现了先前缥缈空旷的意境，回过神来，歌曲的情绪已经被弦乐困住，电吉他再度登场，可它的声场已经与弦乐和鼓点“同质化”，即便还是同样的旋律，到这里也只能渲染出神秘诡谲的气氛；这时最后一遍副歌突然袭来，上一遍副歌已经铺垫好的弦乐在这里大显身手，另有一轨与之旋律相近走向类似但变化更加细腻的弦乐，在它的基础上更具跳跃性，瞬间形成了弦乐中每个音的时值长短和间隔疏密的差异，使得歌曲的紧张情绪更加丰富激烈；人声结束时在整个编曲空位非常低的位置，出现了一轨左右往复快速滑动的鼓点，这轨鼓点不仅在节奏上更多出一个层次，并且令弦乐的每个音都因为有了固着点而没有飘得过度，也使伴奏中高低长短四种属性的音分布更加均衡，最后当弦乐拉到最高处时音乐戛然而止，在这段高潮迭起的尾奏中画出了一个意犹未尽的句点。
这首歌作为最后一个段落的引子，是令整张专辑的情绪色彩由明入暗、由暖转冷的重要转折点。自这首歌起这张专辑的编曲氛围仿佛进入一个阴暗诡谲的秘境，在这首歌里完成的巨大情绪扭转像是瞬息万变的气象，从晴空万里忽然转入阴云密布，桥段中熊光的哼唱声如寒风呼啸，转眼间又已雷声轰鸣，听完这首不到五分钟的歌曲，像是看过一本跌宕曲折的悬疑小说，起承转合间充满了令人快意的复杂情节。于我个人而言，这首歌的画面像登山，从山脚攀上山腰，迷雾渐渐涌来遮蔽视野，穿过缭绕的雾气登上山顶时终于豁然开朗。歌里最后一句歌词的人声处理更是令人拍手叫好，声音在左右声道交替时逐渐变得模糊，像是微弱信号下传来的语音，弦乐和鼓点像紧张急促的呼吸声，二者结合所形成的隔绝感与不真切，最终与歌词殊途同归。
本专最被低估的一首歌，实则实验派歌曲中的一匹黑马，作为最早被人听烂的先行曲，即便与来势汹汹且卧虎藏龙的专辑曲军团相比也不落下风。
我不得不说，这首歌实在精彩。起初我只觉得它普通，后来又感觉有些怪异，假以时日再回来听，突然间理解了它的出色和与众不同。这首歌在编曲意识上体现出的高级感是这张专辑里其他歌曲所没有的，逐级爬升的编曲层次，有意境有画面的高潮铺垫，再结合前两者引发意想不到的情绪走向和意境转折。
曾听人说音乐是时间的艺术，它随着时间的推进而发展，并在这个维度上逐渐地自我填充最终展现其完整的形态。我认为在这个基础之上要说的是，音乐本身不表达具象的内容（此处不谈及歌词对歌曲内容的扩充和完善），音乐直接表现的是情绪及其程度（强、弱，浓、淡），以此形成具有温度和色彩的感受，并在听者脑海中结合意识经验产生因人而异的画面和意境。所以我觉得，音乐表达的情绪能够随着时间产生不同的变化，相应地延伸出不同的感受，并借由编曲使之流畅有层次，这样的音乐才可以称为高级的音乐。而这一类的音乐在表达上应该突出一个“变”字，要么有情绪的变化，要么有情绪程度的变化，音乐才更加丰满，才足够耐听。这首歌就是一个很好的例子，熊光用流行作为一个引子将这首歌做成一个最终偏离主流的音乐，这首歌里她所做的不是增加新元素之类的表面功夫，而是从音乐的深层部位去把控整体来改变这首歌的流行性质。
这首歌起始的几个段落听起来只是一首小品式的流行曲，主歌的节奏还算抓人，电吉他简单的和声构成一直在循环，后来依次加入多轨鼓点形成节奏层次，到此为止还是欢快又活泼的气氛，感觉像是从《Good Night》继承延续而来的清爽感；预副歌部分加入的弦乐非常弱，与伴奏的合声形成缥缈空旷的空间感，而此时气氛就已经有点凝固了，只是节奏音还在，仿佛要努力将其搅散开来；副歌时熊光的混声增加了力度，旋律的音区虽然高，但声线却更扎实了，副歌的后半段音乐加入的弦乐伏在人声之下，低沉的感觉在继续把这首歌的情绪缠紧并不断往下拽。
第二遍主副歌结构与先前并没有太大差别，唯一不同的是这一遍主歌弦乐加得不少，这些弦乐的走向有的下沉有的上扬，还有的围绕着主旋律同时进行，为歌曲最后大量弦乐的使用埋下伏笔；副歌前半段变化亦不大，但听到这里会发现，先前电吉他和鼓点带来的轻快感已经被弦乐冲淡了不少，到了副歌后半段，这首歌最重要的弦乐轨悄悄出现了，这一轨弦乐的旋律高低跨度极大，有着变化十分剧烈的走向，构成了紧张情绪上的冲突感；副歌主旋律结束的时候，电吉他也退场了，只剩下弦乐和鼓点，这时才发觉一直都有的鼓点原来是为这段弦乐服务的，它的厚重与扎实加剧了弦乐的紧张感，等听到熊光哼唱响起的时候，才为时已晚地意识到，这首歌在刚才那段副歌中已然脱胎换骨。
熊光这里的哼唱重现了先前缥缈空旷的意境，回过神来，歌曲的情绪已经被弦乐困住，电吉他再度登场，可它的声场已经与弦乐和鼓点“同质化”，即便还是同样的旋律，到这里也只能渲染出神秘诡谲的气氛；这时最后一遍副歌突然袭来，上一遍副歌已经铺垫好的弦乐在这里大显身手，另有一轨与之旋律相近走向类似但变化更加细腻的弦乐，在它的基础上更具跳跃性，瞬间形成了弦乐中每个音的时值长短和间隔疏密的差异，使得歌曲的紧张情绪更加丰富激烈；人声结束时在整个编曲空位非常低的位置，出现了一轨左右往复快速滑动的鼓点，这轨鼓点不仅在节奏上更多出一个层次，并且令弦乐的每个音都因为有了固着点而没有飘得过度，也使伴奏中高低长短四种属性的音分布更加均衡，最后当弦乐拉到最高处时音乐戛然而止，在这段高潮迭起的尾奏中画出了一个意犹未尽的句点。
这首歌作为最后一个段落的引子，是令整张专辑的情绪色彩由明入暗、由暖转冷的重要转折点。自这首歌起这张专辑的编曲氛围仿佛进入一个阴暗诡谲的秘境，在这首歌里完成的巨大情绪扭转像是瞬息万变的气象，从晴空万里忽然转入阴云密布，桥段中熊光的哼唱声如寒风呼啸，转眼间又已雷声轰鸣，听完这首不到五分钟的歌曲，像是看过一本跌宕曲折的悬疑小说，起承转合间充满了令人快意的复杂情节。于我个人而言，这首歌的画面像登山，从山脚攀上山腰，迷雾渐渐涌来遮蔽视野，穿过缭绕的雾气登上山顶时终于豁然开朗。歌里最后一句歌词的人声处理更是令人拍手叫好，声音在左右声道交替时逐渐变得模糊，像是微弱信号下传来的语音，弦乐和鼓点像紧张急促的呼吸声，二者结合所形成的隔绝感与不真切，最终与歌词殊途同归。
